la tosca non è per tutti

AVVISO per Janeites

2012-02-01T11:43:00.000-08:00

Attenzione, battaglione!!!

Ho visto oggi (e prontamente acquistato) in edicola la riedizione dello sceneggiato ("sceneggiato", non "fiction") di Orgoglio e Pregiudizio che MammaRai aveva prodotto nei lontani Fifties.

Non sapevo di questa riduzione, tutta contenuta nel cofanetto da due DVD, e mi sono incuriosita: penso che questa sera inizierò a vederla e vi saprò dire prossimamente.

Nel frattempo posso dirvi che la nostra Elizabeth è interpretata da Virna Lisi -una Virna ventenne, non il rudere che ci propinano ripetutamente nelle fiction odierne- e tra gli altri comprimari si contano Elsa Merlini, Sergio Tofano (o STO, il disegnatore del Signor Bonaventura, la striscia settimanale in rima che nella mia infanzia seguivo sul Corriere dei Piccoli), Franco Volpi (Darcy) ed Enrico Maria Salerno (Wickham).

Che dirvi? In attesa di recuperare la versione BBC con Colin Firth e di dimenticare l'ultima declinazione cinematografica con Keira Knightley, fredda e impersonale, provo a curiosare nei cassetti di RaiTrade, schedari di un tempo in cui forse si confezionavano più prodotti di qualità.

Premi - The Versatile Blogger Award

2012-01-31T10:29:00.000-08:00

Ogni tanto mi lascio trascinare da queste catene di Sant'Antonio, anche se con moderazione, perché in fondo sono molto divertenti.

Marco alias Il Bibliofilo mi ha omaggiato di questo premio, il Versatile Blogger Award, e lo ringrazio molto perché un riconoscimento, che è sempre piacevole, lo è ancora di più quando proviene da una fonte che si stima.

Per potermi fregiare del titolo di Versatile, però, vi devo raccontare i fatti miei in 7 punti (io lo so che ne fareste anche a meno, ma vi tocca!).

1)Sono innamorata del mio lavoro, anche se ogni tanto mi chiedo perché non ho fatto la disegnatrice di moda o l'ingegnere in un cantiere. Potrei dire che è perché non ho vero genio come stilista, o perché non sono brava in matematica, ma non è la ragione vera: è perché ho ricevuto una vocazione, e come diceva il mio prof di Fisiologia, una mica fa la suora perché nessuno l'ha voluta sposare, lo fa perché ha avuto la chiamata.

2)Mio malgrado, dopo aver passato cinque anni a studiare greco e latino, mi sono trovata a dover imparare il francese senza mai aver ricevuto una lezione frontale. Adesso, che continuo a non avere modo di imparare in modo tradizionale, mi posso togliere la soddisfazione di leggere i classici francesi nella loro smagliante purezza linguistica originale, e ci sono riuscita per amore, solo per amore.

3)Ho aperto questo blog perché a forza di leggere e scrivere sempre e solo in lingua straniera, il mio vocabolario si stava coartando e la mia sintassi ipersemplificando. Parlare in Italiano quando pensi in Inglese è una tristezza... quasi come parlare in Inglese pensando in Italiano!

4)Come avrete capito se frequentate questo blog, ho molteplici passioni: il cinema, la letteratura, il disegno, i fumetti. Diffidate dalle persone che non manifestano altri interessi oltre alla loro primaria occupazione, fino a prova contraria.

5)Mi piace il mare. Toglietemi tutto, ma lasciatemi vicino a uno specchio d'acqua salata. In alternativa, almeno un bel fiume: ho passato la mia adolescenza a guardare il Po che scorre davanti alla Gran Madre, non mi dispiacerebbe invecchiare facendo scorta di Iodio.

6)Fare yoga mi dà una gran carica e mi piace perché mi consente con poco sforzo di mantenere una grande mobilità articolare e una vita sottile. I muscoli palestrati mi fanno orrore, avete presente quelle immagini tremebonde alla Rambo, con le vene in rilievo??

7)Se avessi un daimon, come Pantalaimon per Lyra in Quelle Oscure Materie, sarebbe un grosso gatto scuro. A volte mi sembra di percepirlo...

E ora, le nomination: ho diritto ad averne 15, ma forse mi fermerò prima.

1. Un paio di Uova Fritte: se ti consola, anche io non ho imparato a fare i link. Non ne faccio un dramma. Un blog colto a 360 gradi, di grande gusto e misura, se posso permettermi.

2. Pensieri Cannibali: ogni tanto sfocia nell'abuso di parolaccia, ma è divertente ed è sicuramente versatile.

3. Vorrei essere un personaggio austeniano: a volte lo vorrei anche io, poi mi ricordo che dove sono posso dire la mia su quello che voglio, più ancora di Elizabeth Darcy, e penso che sto meglio dove sto. Però il tuo consiglio "Keep Calm and Carry on" è stato stampato e affisso in sala medici, dove ci dà molto conforto.

4. Solaris: tra i blog di cinema che frequento, forse il più preparato. Chapeau.

5. A Gegio Film: un esempio di dedizione e generosità nei confronti di tutti coloro che condividono la passione per il cinema e affini, un entusiasta e trascinatore.

6. In coma è meglio: gran dono di satira, poco spazio per i commenti, che è impossibile fare.

7. Cine Bla Bla: è uno dei pochi che vi chiede la vostra opinione sui film che recensisce. Democratico!

8. Componente instabile: Sailor Fede non si ferma davanti a niente, procede per moto browniano all'interno della rete e ci sorprende con dei dubbi musicali che continuano a rimanere oscuri... Non ne ho mai azzeccato uno!!

E per ora basta. Come sempre, blog di amici, parenti e fidanzati sono stati esclusi a priori, perché il nepotismo NON paga.

A presto, e grazie a tutti.

Habemus papam

2012-01-29T14:01:00.001-08:00

Il conclave si riunisce per eleggere il nuovo Papa e ogni cardinale, più o meno segretamente, prega di non essere il prescelto. La responsabilità, come il calice amaro di Cristo, tocca al cardinale Melville (l'individuo solo e affranto contro una natura ostile), che viene colto da una crisi di panico prima di presentarsi al balcone per l'acclamazione. Fatto inaudito, viene accolto uno psicanalista in Vaticano per provare a sciogliere qualche nodo, ma la relazione medico-paziente viene disturbata da parecchi fattori, prima fra tutti la necessità di tenere le sedute con tutto il conclave che sta ad ascoltare.

Mentre lo psicanalista, sconfitto, si dedica ai conflitti del consesso porporato, il Santo Padre viene condotto fuori dalle mura dello Stato più piccolo del mondo... e scappa.

Era tanto che non vedevo un film di Moretti che mi divertisse come quelli più vecchi: in questo in particolare ho rivisto i temi a me più cari già esplorati in La Messa è finita, cioè la ricerca dell'Assoluto, il valore che trascenda ogni altra cura umana, e la solitudine a cui spesso si autocondannano le figure che vi si avvicinano, come i preti (come fa, per esempio, il prete a parlare d'amore e fare i corsi prematrimoniali, visto che non può sposarsi?).

Inoltre trovo che Nanni abbia imparato a prendersi un po' in giro, con questa figura di psicanalista "più bravo di tutti" che non risolve assolutamente niente.

Molto grazioso e niente affatto irrispettoso, come si è letto su tanti articoli, scritti a volte -ho scoperto- da persone che non hanno visto il film. Bravo anche Michel Piccoli, si riconosce l'accento del teatro.

Le avventure di Tintin - Il segreto dell'Unicorno

2012-01-28T10:48:00.000-08:00

Tintin non è uno dei miei personaggi più amati, ed è con un certo grado di sospetto che mi sono preparata alla visione di questo campione di incassi. Il giovane giornalista freelance compra al mercato di Mont Martre un modellino di una splendida nave da guerra antica, cui altre due persone appaiono molto interessate: il primo finisce trivellato di colpi d'arma da fuoco sulla soglia del nostro, il secondo è il russo Sacharine, il cui solo nome basta a far capire quanto sia pericoloso (gente, meglio un po' di sano zucchero!). Dall'albero maestro provvidamente rotto fuoriesce un'antica pergamena, ed eccoci catapultati in un'avventura in piena regola, con flashback di vite precedenti, antiche vendette, animali quasi umanizzati, grasse soprani milanesi e la nascita di un'amicizia straordinaria. Questa vorrebbe infatti essere la primissima avventura di Tintin con il Capitano Haddock, suo compagno inseparabile e fidato, per quanto pasticcione; mentre il protagonista è precisino, perfettino, sempre orientato e convenientemente azzimato, il capitano è malvestito, malrasato, beone e spaesato, ma incredibilmente più simpatico. Non ho detto di Tintin che è particolarmente acuto, perchè in effetti la risoluzione delle faccende delicate spetta al vero "cervello" del gruppo, l'adorabile cagnolino bianco Milou.

La regia è ottima, non si fatica a vedere la mano di Spielberg dietro la cinepresa; l'animazione è molto fluida anche nelle scene di inseguimento, che sono tra le mie preferite, e i personaggi acquistano spessore e profondità, dai due amici a cui è impossibile non affezionarsi a quelli secondari come Dupont & Dupond e la canterina Castafiore. Cattivo mica male.

Calèche - Hermés

2012-01-24T10:26:00.000-08:00

Il secondo dei profumi Hermés che recensisco è uno dei più noti e datati, che come i veri classici non perde mai il suo smalto.

Creato nel 1961, unisce un'eleganza classica e sofisticata a note di testa molto briose che lo rendono adatto anche a donne giovani (conosco una giovanissima professionista che lo usa con gran piacere!!).

All'inizio si sentono il bergamotto, le zagare e le aldeidi, che associate all'ambra e al sandalo del fondo ricordano un po' altre fragranze astratte come Chanel N5 e L'Air du Temps; il cuore è la parte più interessante, molto sfaccettata, una mescola di ylang-ylang, iris, gardenia e rosa.

Il risultato è avvolgente e piacevolmente persistente, senza essere aggressivo né invadente.

Lo storico flacone è stato disegnato stilizzando un fanale del cocchio di Hermés, il calèche, appunto, che compare sulla stilosissima confezione.

Il Trovatore

2012-01-22T03:52:00.000-08:00

La seconda opera, datata 1853, della cosiddetta "Trilogia Popolare" (insieme a Rigoletto e Traviata) è senz'altro quella che mi piace di più.

Siamo in Spagna, all'inizio del Quattrocento, e gli uomini d'arme del Conte di Luna si raccontano storie paurose intorno al fuoco, come quella, a metà tra la leggenda e la tragedia, della zingara che morì sul rogo per aver gettato il malocchio sul bimbo dei Conti e fu vendicata con il sacrificio di un altro piccolo della stessa casa. Mentre i soldati così si affaccendano, e si scontrano con i gitani lì accampati, la dama di compagnia Leonora si innamora del Trovatore Manrico, il figlio della zingara Azucena, offendendo così i sentimenti del Conte di Luna che ha occhi solo per lei.

A complicare il tutto, si scopre che Azucena è -incredibile!- la figlia della zingara morta sul rogo e Manrico non è suo figlio, bensì il fratello del Conte, che si credeva morto nel rogo; quando Manrico si scontra col rivale, mosso a pietà da una forza superiore, gli salva la vita, ma il Conte non sarà così magnanimo quando verrà il suo turno...

Il libretto, ultimo gioiello di S. Cammarano, veste di poesia una trama che è in fondo slegata dal suo tempo: nella Trilogia l'impegno politico di Verdi non viene portato sulla scena in modo troppo scoperto, e permette al Maestro di confrontarsi con i drammi psicologici dei suoi personaggi, con risultati straordinari. Musicalmente, se non si può gridare al capolavoro qui, non saprei davvero indicare dove: la perfezione di una scrittura finissima e polita nelle arie d'amore non scade mai in romanticherie da cicisbeo, ma rappresenta efficacemente sentimenti assoluti e veri. Dall'altra parte del registro abbiamo i cori dei soldati e degli zingari, permeati di una forza e un'energia che non hanno pari, se non in altre opere dello stesso autore (penso soprattutto al Nabucco e alla Forza del Destino).

La versione che sto ascoltando in questo momento, e che consiglio caldamente, è quella diretta da H. von Karajan a Salisburgo, nel 1962. Corelli è un credibilissimo Manrico, mascolino e diretto nel Deserto sulla terra così come nel Miserere del IV atto, mentre a Bastianini basterebbe anche solo la scena di gelosia del I atto per confermarsi mio baritono preferito di tutti i tempi. La Price ha una voce limpida e calda che rappresenta al meglio il coraggio e la sensualità pur casta di Leonora: inizia bene col Tacea la notte placida e finisce ancora meglio con il blocco D'amor sull'ali rosee-Miserere-duetto con il Conte. E la Simionato? Un genio vocale! Da Stride la Vampa al terribile finale, è capace di suscitare nell'ascoltatore immagini di occhi brucianti, maledizioni oscure e vendette senza scampo.

L'ho già detto che Il Trovatore è un'opera meravigliosa?

Bella Cullen

2012-01-21T06:41:00.000-08:00

Pensavate che avessi desistito dal tappezzare il mio blog con personaggi della Twilight saga travestiti da modelli? Vi sbagliavate!

Ecco qui Bella, già vampira -ché da umana mi era troppo antipatica, con un top Just Cavalli di seta e paillettes (probabilmente Alice glielo ha infilato a forza, ricattandola), pantaloni stretch Byblos e un bellissimo scialle di Salvatore Ferragamo, un misto lino-seta-lana ricamato con fili d'oro sul bordo. Per i sandali ho scelto Rodarte, quelle creazioni magnifiche ed immaginifiche che si possono indossare davvero solo con un cervelletto potenziato (e anche in quel caso, restare seduti è più prudente).

Questa volta ho abbandonato le chine solite per dedicarmi, su consiglio di amici e parenti, alla matita tout court, come facevo quando ero più giovane. Certo, limita il colore, ma permette una libertà estrema nella definizione dei volumi. Mi sono regalata una favolosa matita 8B per le finiture grasse, che scivola come burro su un tegame, e un Blender, una matita neutra che dà un effetto acquarellato al lavoro finito, e sono oltremodo soddisfatta dei miei acquisti.

Salvatore Giuliano

2012-01-20T14:18:00.000-08:00

Dopo un intermezzo leggero, torniamo ai film degni di questo nome con un fulgido esemplare del Neorealismo italiano. Posso dire una cosa sconveniente e vergognosa? A me il Neorealismo non piace. Lo considero una tassa dovuta, un sacrificio necessario sull'altare della storia dell'Arte in senso lato. E' un po' come leggere Verga: mi mette a disagio tutta questa ostentata e truce, brutta verità. Ciò detto, è imprescindibile Verga, come lo è Picasso (che pure non mi piace), come lo è Berlioz (idem come sopra), come lo è il Neorealismo. Eccomi dunque a pagare il mio tributo a Francesco Rosi con questo antesignano del docu-film, Salvatore Giuliano.

Il Turiddu del titolo fu un bandito che nel secondo dopoguerra operò con la fazione separatista siciliana, che voleva l'indipendenza dell'isola dall'Italia e l'annessione agli Stati Uniti d'America. Tanti gruppi di disperati fecero da pedine nei grossi giochi orchestrati dalla mafia e dall'esercito, che cercavano, ognuno a suo modo e all'occorrenza embricandosi, di ottenere un qualche controllo su questa terra difficile, accumulando morti.

Salvatore Giuliano nel film non si vede mai, se non da morto: il suo fantasma aleggia sopra i suoi luogotenenti che organizzano blitz anti-carabinieri e incursioni paramilitari ai danni dei comunisti (pochi) dell'isola, come nell'episodio di Portella della Ginestra, su cui molte ombre ancora rimangono (il passato è l'unica cosa che siamo certi non conosceremo mai, a differenza del futuro che vivremo).

Quello che Rosi sembra volerci dire, in mezzo a queste faide più vere del vero, è che Giuliano non è tanto importante come bandito di per sé, ma come espressione di un sentimento popolare che non voleva un'unificazione forzata: aveva con sé buona parte dei contadini, per cui era quasi un eroe. Purtroppo i matrimoni combinati non sempre conducono ad una famiglia piena d'amore, ciò che spiegherebbe parte degli attriti che vessano tutt'oggi la nostra penisola.

Le scene in cui vediamo Salvatore, ormai cadavere, ricordano una deposizione (il momento dell'analisi del medico legale, che apre il film) e una pietà, con la madre a lutto che, con pianti di prefica, è chiamata a riconoscerlo.

Mi ha sorpreso, stilisticamente, la coesistenza di un buon livello registico con una fotografia terribile e sgranata: Fellini negli stessi anni girava La Dolce Vita e 8 e 1/2, che appaiono smaglianti e molto meno datati a cinquant'anni di distanza.

Dunque, un plauso al valore storico della documentazione precisa e senza fronzoli e all'impegno didattico su avvenimenti che per molti di noi, specialmente per la mia generazione, rappresentano un buco nero di misconoscenza, ma mi tocca rimanere anti-neorealista: non c'è niente da fare, Bello è un'altra storia.

Top ten d'epoca

2012-01-18T13:11:00.000-08:00

Adesso va di moda un giochino innocuo che consiste nel poter sbirciare la classifica delle dieci hits della settimana in cui siamo venuti al mondo. Mi sono incuriosita leggendo i post di Sailor Fede e di Silvia-personaggio austeniano, e sono andata a dare un'occhiata anche io sperando di trovare Freddy Mercury, qualche strascico di Pink Floyd e altre note cool; ho avuto qualche bella sorpresa, ma anche alcune scoperte un po' deludenti...

Quando sono nata? ditemelo voi guardando la classifica!

10)John e Solfamì (Cristina D'Avena): i Puffi!! Che forza, devo dire che è uno dei pezzi migliori della compilation! Ma come ha fatto a finire al decimo posto, la sigla di un cartone animato? Misteri...

9)Rocking Rolling (Scialpi): non avevo mai sentito né la canzone né il cantante e, tutto sommato, penso che sia stato un bene. Questa canzone è terribilmente lamentosa ed è corredata di un video che sembra una parodia degli aspetti deteriori degli Eighties. Da non recuperare.

8)Maniac (Sembello): dalla colonna sonora, il cominciamento di Flashdance. Mica male, quel film è un altro esempio di pellicola ultra-popolare che mi mette allegria e ho visto decine di volte.

7)A me mi torna in mente una canzone (Sabani): altro motivetto che non avevo mai sentito, massima espressione nazional-popolare. A differenza di quella tragedia di Scialpi, però è onesta e divertente: con la mano sul cuore, chi non ha fatto/fa quel che racconta Sabani, e canticchia un motivetto mentre fa le cose più disparate?

6)Say say say (McCartney & Jackson): riuscite voi a immaginare due personalità musicali più diverse dal baronetto Paul e da "Sbiancatemi"-Michael? Io no. In ogni caso questo brano appartiene più al secondo, e non ai migliori pezzi da lui creati.

5)Karma Chameleon (Culture Club): karma-karma-karma-karma-karma-chameeeeleon... Io ADORO questa canzone! E' solare, divertente, e mi ha insegnato la pronuncia di chameleon, non una delle paarole più usate nelle lezioni di inglese del liceo, ma fondamentale per tutti i Capotiani DOC.

4)Moonlight Shadow (Oldfield): è una delle pochissime canzoni di Oldfield per musica e voce -non sua, ovviamente, ma della brava M. Reilly-, in mezzo ad un mare solo strumentale; mi piaceva molto già da bambina e l'ho riscoperto leggendo l'omonimo, struggente racconto di Banana Yoshimoto, sua tesi di laurea. Entrambi sono disperatamente belli.

3)Paris Latino (Bandolera): ma da DOVE è uscita questa roba??? Questo misto di trash imbarazzante ha guadagnato il podio? Vergogna a chi l'ha comprato!

2)La donna cannone (De Gregori): meraviglioso esempio di poesia, anche se a me piacevano i pezzi più ermetico/surreali, tipo Quattro cani per strada.

1)Top del top: What a Feeling-Flashdance (I. Cara): secondo brano della colonna sonora di Flashdance nella stessa settimana! Deve avere avuto un gran successo questo film, e ne sono felice. In particolare questo pezzo mi fa sempre venire voglia di ballare.

E voi, siete andati a curiosare? Buon divertimento!

Un principe tutto mio

2012-01-17T12:30:00.000-08:00

Abbiamo cominciato l'anno con una serie di opere più che titolate, perciò mi sembra giunto il momento di lasciare spazio a uno di quei film che potrei mettere nell'apposita classifica della vergogna, qualcosa del tipo "I dieci film che mi piace vedere e rivedere, anche se me ne vergogno profondamente visto il loro scarso valore artistico intrinseco".

Paige è al college, è studiosa e super-seria, non esce con i ragazzi perché teme che la distraggano dalle sue ambizioni di diventare un Medico senza Frontiere, è saggia, schietta e un po' troppo concreta. Edvard è principe di Danimarca, parla cinque lingue, non vuole farsi carico delle sue responsabilità ma è cresciuto a corte e conosce Shakespeare (vanto ai reali del Nord-Europa, che sono tra i più sensibili al mondo ai temi dell'alta cultura). Soren è un bravo aio moderno, e gli tocca seguire lo scioperato rampollo. Unite gli ingredienti, shakerate (non mescolate), ombrellino ed oliva e il cocktail è servito.

Pare che qualche critico cinematografico abbia definito questa innocua, divertente favola sentimentale grammatically challenged, e come dargli torto. Eppure ogni tanto c'è bisogno di un po' di romanticismo precotto, di ragazzi giovani non particolarmente attraenti -lui slavatissimo e ignoto, J. Stiles graziosa ma lontana dalla bellezza- intenti a guardarsi con passione e di corone di stagnola. Ok, vi risparmio l'immagine di rito!

Source Code

2012-01-15T09:56:00.000-08:00

Il Capitano Stevens si trova all'improvviso su un treno in compagnia di una bella ragazza che sembra conoscerlo con un altro nome. Dopo otto minuti di permanenza sul mezzo in corsa, un'esplosione distrugge ogni cosa e il Capitano si ritrova in una cabina nera, in collegamento con la sua superiore, il Capitano Goodwin, che lo informa di come ritornerà a più riprese sul treno per individuare chi ha posizionato la bomba, ogni volta per gli otto minuti consentiti dal Source Code, il nuovo sistema sviluppato dall'esercito che permette di ricreare otto minuti virtuali in una linea temporale parallela grazie ai circuiti neurali residui di persone comatose, come sono sia Stevens sia la persona di cui lui prende le fattezze sul treno.

Fin qui tutto bene: l'idea è molto buona, la regia interessante, ottimi gli attori. Vero è pure che l'idea della ripetizione di un lasso di tempo breve si era già vista, ma questa declinazione è ben costruita e mantiene molto bene la tensione. Il regista stesso, Duncan Jones, aveva già approcciato il tema della ricorrenza con Moon, il suo precedente exploit, che però godeva di una sceneggiatura più limpida.

Il grosso problema della seconda parte del film è infatti il pasticcio semifantascientifico in cui la sceneggiatura si involtola per uno scopo a me poco chiaro: se si fosse proseguito sulle linee originali, J. Gyllenhaal (il ragazzo è bello e bravo, il cognome è impronunciabile!) avrebbe portato a termine il suo compito, da bravo marine, facendo sfoggio di senso del dovere e portando avanti la sua critica silenziosa al sistema ipermilitarizzato che l'ha creato, e poi sarebbe morto -cosa del resto normale quando del proprio corpo rimangono solo una parte del torace e un emicranio. Invece, (forse alla ricerca del lieto fine?) ATTENZIONE SPOILER!! il nostro si innamora -in otto minuti!- della sua vicina di posto e crea un universo parallelo dove possono vivere tutte le vittime dell'attentato e che sembra potersi collegare a quello originale con un'email.

Pastrocchio, ma interessante.

Eternal Sunshine of the spotless mind (Se mi lasci ti cancello)

2012-01-13T12:27:00.000-08:00

Clementine e Joel si sono lasciati, dopo una travagliata storia d'amore, e lei si fa cancellare selettivamente i ricordi che concernono il loro fidanzamento da una piccola agenzia di nome Lacuna. Quando lui lo scopre, pieno di amarezza, tenta lo stesso procedimento, scoprendo che uno dei tecnici della Lacuna approfitta dei ricordi cancellati a Clementine per tentare di conquistarla; scopre anche, in extremis, di non volerla dimenticare, ma è ormai troppo tardi: i due tecnici che dovrebbero sorvegliarlo, Mary e Stan, sono impegnati in uno scambio amoroso e non si accorgono di nulla. Proprio Mary viene a sapere che presso la Lacuna ha cancellato il suo passato amore clandestino con il creatore di Lacuna, Howard, e, in un'ondata di rimpianto e risentimento, manda a varie persone sottoposte a cancellazioni mnesiche selettive le prove dell'intervento che hanno subito. Joel e Clem, ormai dimentichi l'uno dell'altra, si sono re-incontrati e re-innamorati alla velocità della luce, quando giungono loro le audiocassette che contengono la verità...

La trama mescola tragi-commedia sentimentale con la fantascienza, ricordando un po' Vanilla Sky, ma restando lontani dalle atmosfere thriller-escatologiche che appesantivano quei cieli. Al contrario, il viso aperto e sensualmente cicciottello di Kate Winslet, e i suoi capelli multicolori, donano leggerezza ad un intreccio che sarebbe decisamente cervellotico. Molto bravo anche Jim Carrey, in un personaggio estremamente malinconico e dolce; i due protagonisti sono le punte di diamante di un cast stellare, vera forza del fim, tra cui contiamo anche Elijah Wood, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo.

Non è solo l'esperienza del tempo passato insieme che fa da collante tra due spiriti affini, sembra dirci Gondry con questo film inusuale, ma qualcosa che trascende il tempo e la conoscenza e porterà sempre i due Amanti Destinati a ritrovarsi, nonostante le loro amnesie lacunari (cioè selettive): insomma, il romanticismo elevato a sistema, in un'epoca di infinite possibilità tecniche è ancora la soluzione al male di vivere. I personaggi principali sono molto ben delineati, soprattutto quello di Joel, un'anima poetica con una grande e pericolosa tendenza a ripiegarsi su se stesso, che può essere coinvolta solo dalla vulcanica e impulsiva Clem. Solo abbozzati invece i non-protagonisti, in particolare Mary, perno del volgere degli eventi: peccato, perché penso che ci sarebbe piaciuto conoscerla di più.

Quanto alla struttura a incastro del film, trovo che da elemento stilistico preminente si sia tramutato nella sua più grande falla, perché complica la ricezione senza arrivare ai virtuosismi di Inarritu o di Nolan (il paragone con il suo Memento è d'obbligo).

Terribile la traduzione italiana del titolo, che svilisce la poesia dell'originale inglese (un verso di Pope, dall'Eloisa e Abelardo) per tramutarlo in una specie di commediola di terzo livello.

In conclusione, mica male.

Mare Dentro

2012-01-11T13:06:00.000-08:00

Ramon Sampedro è tetraplegico da molti anni anni, e l’eutanasia che chiede ormai insistentemente continua ad essergli negata, nella Spagna dei retaggi cattolici pre-Zapatero. Attorno a lui la famiglia si spacca tra chi comprende il suo desiderio di liberarsi da una vita difficilissima, percepita come un calvario umiliante senza scopo, e chi invece accusa esplicitamente di superbia la volontà del protagonista. Dopo il coinvolgimento degli attivisti per il movimento per il testamento biologico Ramon fa conoscenza anche di Julia, affetta da una patologia progressiva che la porta a considerare la sua fine in maniera simile al compagno di sventure.

L’aspetto migliore di questo film è la difesa non di morire ma di scegliere liberamente. Scegliere liberamente di vivere, magari, e di farsi collegare ad un respiratore per anni lunghissimi, se questo si desidera, anche in un momento in cui una scelta di questo tipo non sarebbe considerata “di moda” e condivisibile. Oppure scegliere di sposarsi per farsi dare la morte, o di impegnare le proprie energie in una battaglia politica lunghissima. Scegliere del proprio futuro davvero consapevolmente sembra un impresa titanica, ogni giorno.

Bardem è un attore che riempie lo schermo, anche se invecchiato e svilito nel suo aspetto, e riscuote enormi successi, ma -a prezzo di essere impopolare- confesso candidamente che non mi piace, con la sua aria da uomo vero che ha visto tutto del mondo. La regia è un po’ enfatica (vedasi la scena "cult" del sogno del volo, che tutti trovano così poetica e che a me invece è sembrata eccessiva), come spesso accade quando si vuole difendere una tesi di materia etica, ma trovo che il risultato sia nondimeno meritevole.

L'ultimo Catone

2012-01-10T14:23:00.000-08:00

Ottavia Salina è una paleografa molto stimata che ha la grande fortuna di lavorare in un sito più che esclusivo, i sotterranei dell’Archivio Segreto Vaticano. L’essere una religiosa di un ordine senz’abito non le impedisce di coltivare una spocchia che ce la rende incredibilmente antipatica entro le prime venti pagine, in cui scopriamo come le alte sfere ecclesiastiche abbiano bisogno di lei per risolvere il mistero di un giovane etiope dal cadavere coperto di scarificazioni nelle specie di sette croci. Con l’aiuto di un colosso svizzero dal nome ridicolo di Kaspar Linus Glauser-Roist (presto ribattezzato dalla protagonista “la Roccia”) e di un esule egiziano con un pedigree multi continentale, Farag Boswell, la dottoressa Salina scopre –nell’ordine- l’esistenza di una setta dedita all’adorazione della Vera Croce di Cristo, gli Staurophylakes, il segreto della ricchezza della sua famiglia (sono mafiosi), l’amore, l’amicizia e perfino il valore di un po’ di umiltà.

Nonostante l’urticante Ottavia e la tendenza al didascalismo soffocante, dopo un paio di capitoli il libro ingrana una buona marcia e si lascia leggere con piacere, complice il percorso immaginario lungo le terzine del Purgatorio dantesco, tutte da riscoprire. La spagnola Matilde Asensi ha trovato un modo grazioso di omaggiare il nostro Sommo Poeta.

La spada nella roccia

2012-01-08T14:26:00.000-08:00

Mago Merlino vive con il fido gufo Anacleto, nell’attesa di una misteriosa identità di cui doversi occupare, e che cambierà il futuro dell’Inghilterra, afflitta da un lungo periodo di guerre civili e disordini sociali. Sfondando il tetto, giunge per un tè Semola, orfano garzone di un signorotto locale, la cui massima aspirazione è poter diventare scudiero di Caio, il figlio becero e acromegalico del padrone di casa. Merlino inizia dunque l’educazione del fanciullo, destinato ad estrarre la Spada nella roccia ed entrare nella leggenda col nome di Re Artù.

Tratto dal libro di T.H. White, questo film del 1963 ha un tono scanzonato e allegro, con un protagonista ignorante ma volenteroso e un coprotagonista-mentore pasticcione e sconclusionato, che pone rimedio alle sue irritazioni trasferendosi ad Honolulu (all’epoca non ancora scoperta, ovviamente), in forma di razzo umano, cosa che piacerebbe anche a me; l’unico personaggio dotato di buon senso è Anacleto, che avendo un pessimo carattere è il mio preferito. Pur grazioso, non è uno dei miei cartoni Disney preferiti, con colori piattini, trama poco consistente e colonna sonora di secondo piano. Da recuperare Maga Magò (atassica nel mio post estivo sui segni cerebellari).

Nuovomondo

2012-01-07T12:23:00.000-08:00

Il fenomeno migratorio verso gli Stati Uniti che coinvolse tanti nostri conterranei nei primi anni del Novecento è stato oggetto di numerosissime opere cinematografiche, ma mai in modo così poetico come in quest’opera che ha portato la notorietà al suo autore, Crialese.

La famiglia Mancuso si imbarca sul transatlantico che la porterà ad Ellis Island, dopo aver ricevuto i doni dell’intero paesello (compresi i vestiti “buoni” che il camposantaro recupera dalle salme) e accolto le speranze di tutti i familiari. A loro si aggrega Lucy, giovane ed elegante donna inglese che non può entrare da sola in America: le occorre infatti un marito che le permetta di sorpassare l’ultimo scoglio della dogana, e ottenere un passaporto. Durante la traversata, Salvatore, il capofamiglia, si innamora di lei, anima gentile e colta in cerca di emancipazione, che sfugge con pertinacia alle insistenze dei tizi equivoci che la qualificano erroneamente come ragazza leggera. All’arrivo a New York, però, il periodo di quarantena comprende prove ed esami volti a eliminare ogni tipo di malattia trasmissibile, virale o genetica, tra cui si comprende la stupidità: What a modern vision, dice con inosservato sarcasmo Lucy agli ispettori sanitari.

La strada per raggiungere questa terra recente era irta di ostacoli, il che rendeva assolutamente favolistica la rappresentazione che i nostri migranti se ne davano: Salvatore si immagina una terra dove scorre latte e miele, prodiga di frutti, dove carote e cipolle enormi soddisfano le necessità di tutti. Lucy (ottima C. Gainsbourg) ha un’idea più realistica, e senz’altro aiuterà il suo amico a trovare il suo posto nel Nuovo Mondo. Pieno di lirismo e ironia, questa è una delle più belle opere sull’argomento, e una delle poche che, nonostante tutto, dimostri un certo ottimismo senza nascondere le amarezze che affrontano tutti coloro che sono costretti a lasciare la propria terra per cercare miglior sorte.

Carnage

2012-01-06T12:39:00.000-08:00

Zachary e Ethan sono undicenni che hanno deciso di risolvere le loro controversie in modo "incivile": il primo, con una canna di bambù, ha "sfigurato" il secondo, rompendogli due incisivi.

I loro genitori si ritrovano a casa dell'offeso per scambiarsi le considerazioni del caso, intorno ad una fetta di torta; i Longstreet -genitori di Zachary- si profondono in scuse e i Cowan -la parte lesa- sono più che condiscendenti, ma dopo qualche convenevole i denti aguzzi dei quattro si rendono manifesti. Penelope (J. Foster) pontifica, dall'alto del suo impegno politico e sociale a beneficio dell'Africa (dove non è mai stata), mentre suo marito Michael (J. Reilly) tenta senza succeso di nascondere il suo disinteresse per l'intera vicenda, rivelando dopo poco di aver picchiato un ragazzo a sua volta in gioventù, ai tempi in cui faceva parte di una banda. Nancy (K. Winslet) è mortificata dall'accaduto, ma la sua umiltà non può spingersi a chinare la testa di fronte ad un'estranea che voglia insegnarle il mestiere di madre e bacchettare suo figlio, e manifesta il suo disagio vomitando sulle pubblicazioni d'arte della pedante ospite, mentre il marito Alan (C. Waltz) non si stacca dal suo Blackberry se non per asserire che la sua stessa prole è irrecuperabile.

Tratto da una pièce teatrale di Yasmina Reza, il film di Polanski mantiene inalterata la struttura claustrofobica che permette ai protagonisti di dare del loro peggio e dimostrare come, in fin dei conti, il modo rozzo di appianare le divergenze messo in atto dai loro figli, nasconde molte meno fratture e permette riappacificazioni che agli adulti "contenuti" ed "educati" sono ormai precluse, arroccati come sono sulle loro arroganti posizioni. Il ritmo non è male, sostenuto dal poker di attori eccezionali (soprattutto le donne), ma mi aspettavo qualcosa di più dal finale e qualche ulteriore nota di franca cattiveria. Colonna sonora non memorabile, di Desplat.

Elizabeth - The golden age

2012-01-03T09:42:00.000-08:00

Dopo l'incoronazione e il voto di fedeltà assoluta al suo paese, prosegue l'avventura di Elisabetta I, magistralmente impersonata da Cate Blanchett in questo secondo film di Kapur. Sembra che il regista abbia l'ambizione di completare la trilogia, ma considerando che al momento degli eventi narrati la regina doveva avere ormai passato la cinquantina, il prossimo capitolo verrà girato in un convalescenziario.

Nonostante la sua fermezza d'animo, Elisabetta I (Betta per gli amici) non è insensibile al fascino dei molti uomini che affollano la sua corte, in particolare il bel W. Raleigh, corsaro sincero e avvenente, che vanta qui l'aspetto lusinghiero di Clive Owen. Soffre non troppo in silenzio, Betta, mentre la sua prima dama di compagnia seduce il detto marinaio e dimentica i drammi privati cercando di non annegare nelle tragedie pubbliche: la cugina, Maria Stuarda, complotta contro di lei, e Filippo II di Spagna -qui tratteggiato come un fanatico religioso da operetta- medita di rivolgerle contro l'Invincible Armada. In effetti Filippo faceva più bella figura nel Don Carlos verdiano, dove si limitava in fondo a sposare la fidanzata del figlio e condannare questi ad anni di infelicità prima della morte.

Il film è nel complesso un bell'esemplare di genere agio/biografico, dove la verità storica è notevolmente tralasciata in favore della spettacolarizzazione della scena e della necessità di suscitare empatia nello spettatore, cosa probabile con la protagonista dipinta dalla Blanchett ma virtualmente impossibile con la Betta vera. Ottima la fotografia, che ha ottenuto l'Oscar, e solida la trama, però io preferisco il primo.

Una lunga domenica di passioni

2012-01-02T12:25:00.000-08:00

Mathilde è un'anima allegra e ottimista: il suo fidanzato Manech non è mai tornato dal fronte, ma lei è convinta che sia vivo, perché un filo li lega. E, del resto, se si sbagliasse, con quel filo ci si potrebbe sempre impiccare...

Orfana e benestante, reduce da una poliomielite che l'ha resa claudicante ma acuta ed ostinata, Mathilde percorre in lungo e in largo il nord della Francia alla ricerca del suo amato, con frequenti soste a Parigi per conferire con il suo avvocato e con l'investigatore privato, Mr. Pire ("peggio"), che cerca per lei i protagonisti dei presunti ultimi istanti di Manech, condannato a morte per il delitto di automutilazione nel 1917. Ricostruiamo così a poco a poco un intreccio corale pieno di errori e ripensamenti, di coraggiosi contadini della Dordogna e di vivandieri pieni di risorse, amici disposti a condividere una donna per scappare dall'orrore della guerra e amanti prostitute che vendicano i loro angeli còrsi.

Una lunga teoria di caratteristi di primo piano si affolla in questo film di Jeunet, a partire da Audrey Tautou, già filmata in Il favoloso mondo di Amélie, per arrivare alle grandissime Marion Cotillard e Jodie Foster. Il volto del ragazzo, allora ancora relativamente sconociuto, e premiato come miglior promessa del 2004, è Gaspard Ulliel, ora immagine per Bleu di Chanel.

Molto amato in patria, dove ha vinto numerosi premi César, è uno splendido affresco in seppia delle trincee, della loro assurda, sorda violenza e dell'idiozia della guerra e dei suoi padroni (come quelli che organizzarono un ospedale da campo in un hangar pieno di idrogeno), ma è anche un manifesto della speranza, in nome dell'amore.

Anche se è amore non si vede

2011-12-31T03:02:00.000-08:00

Salvo e Valentino questa volta cambiano location, sono emigrati nella mia Torino dove guidano un autobus a due piani per turisti stranieri. Mentre Salvo è cinico e sardonico, anche se solo in superficie, Valentino è disgustosamente melenso e soffoca la fidanzata Gisella con attenzioni eccessive, che si estrinsecano di solito con regali di gusto orribile, rigorosamente in forma di cuore, dagli orecchini, agli stencils sul muro.

Gisella, estenuata, chiede a Salvo di comunicare a Valentino che lo sta per lasciare; Salvo dal canto suo ha difficoltà a trovare il coraggio di perforare la nuvola rosa in cui l'amico naviga, molti metri al di sopra del suolo, ed è frequentemente distratto dai suoi intenti dal contemporaneo tentativo di far breccia nel cuore di Natasha, la loro guida russa. Ma una sua vecchia amica appena tornata dagli States si è resa conto che gli vuole bene...

Da queste premesse parte la nuova commedia degli equivoci di Ficarra e Picone, il migliore duo comico in circolazione adesso, di molto superiore al trio Aldo-Giovanni-Giacomo che ormai da anni non azzecca più un film. Anche se i due protagonisti e le ragazze sono bravi (ottima Ambra Angiolini!), il risultato è lievemente inferiore ai precedenti, il migliore dei quali rimane forse Il 7 e l'8. Il divertimento resta comunque assicurato, con numerosi sketch più e meno surreali e un finale che ricorda le vecchie commedie americane, con tutti che si rincorrono senza capire cosa sta realmente succedendo. Carino!

I Watsons

2011-12-29T05:42:00.000-08:00

Secondo inedito di Jane Austen, è un cominciamento abbozzato di un libro che si prospettava interessante come Pride and Prejudice, ma triste come Mansfield Park.
Emma è giovanissima e ha vissuto gli ultimi quattordici anni in compagnia di una zia raffinata e facoltosa. Come accade, però, talora, un rivolgimento della sorte la fa ripiombare nella miseria economica ed intellettuale, in seno alla sua famiglia d’origine che non tarda a farle pesare come ella sia un’ulteriore e inutile bocca da sfamare, in un mondo in cui primo dovere di una donna è combinarsi un matrimonio vantaggioso.
In mezzo a sorelle poco incoraggianti, Lord presuntuosi e bellocci, giubbe rosse piene di insulse mostrine e affascinanti poco di buono, sarebbe riuscita la nostra eroina –possibilmente in compagnia della sua nuova unica amica Mary- a trovare un buon partito da amare? Considerata la penna, scommetterei sul sì, ma mai nessun inizio mi era sembrato meno ottimista di questo, che rispecchia alquanto le difficoltà economiche e lo sconforto morale in cui versava la cara Jane al momento della sua stesura.

Tomboy

2011-12-28T08:44:00.000-08:00

Appena trasferitasi in una banlieue medio-borghese della periferia parigina, Laure si sente a suo agio soprattutto in casa, con la sorellina Jeanne, la mamma incinta di nove mesi e un sensibile papà che "lavora col computer". La vita all'esterno del microcosmo familiare è un po' più difficile invece, fra continui traslochi e una la propensione verso uno stile di vita "tomboy" che doeva già aver messo in ansia la mamma in tempi precedenti. Scambiata per un maschio da una vicina di casa, Laure si ribattezza Michael e vive l'agosto dei suoi dieci in un limbo di confusione di genere, stringendo un legame affettuoso con Lisa. Dopo qualche tempo Jeanne viene a conoscenza della menzogna, ma dimostrandosi il personaggio secondario più vitale e sveglio di tutto il film, la copre, per permettere finché è possibile alla sorella di manifestarsi nella forma in cui si sente più a suo agio.

La definizione di genere e della preferenza sessuale è un percorso lungo e spesso non semplicissimo, ma la protagonista è qui aiutata da un ambiente familiare molto solare, supportato da una madre dinamica (anche se forse la meno pronta a comprendere le anomalie della figlia), un padre presente e di grande intuito, molto più vicino a Laure di quanto non sia la madre, del resto, e una sorellina dal cuore grande e generoso, vero simbolo dell'accettazione senza riserve. Nessuno può sapere se quella di Laure è una fase di definizione pre-adolescenziale o l'esordio di un percorso omosessuale, ma in fondo l'importante è riuscire ad essere accolti come si è in ogni singolo istante.

Sciamma filma a basso costo -e con un basso profilo- una storia delicata e poetica senza cercare inutili drammi, offrendo una buona prova di lievità. Brava e bella la giovane protagonista, Zoé Héran.

Calvin & Hobbes

2011-12-27T13:45:00.000-08:00

Calvin è il figlio che nessuno vorrebbe avere: perennemente in disordine, ignorante, arrogantello, maschilista in erba, croce dei suoi genitori e, soprattutto, combinaguai all’ennesima potenza.
Hobbes, al contrario, è il tigrotto che tutti vorremmo adottare: è un pupazzo di pezza che tollera il lavaggio in lavatrice, ma quando è solo con Calvin diventa il suo compagno di giochi, confessore, filosofo privato anti-umanista-filo-felino, difensore, complice e torturatore (quando si apposta per tendergli agguati semi-assassini).
Com’è che due genitori apparentemente normali, una letterata e un ingegnere dell’Ufficio Brevetti, hanno concepito un figlio così disfunzionale, dall’immaginario sorprendentemente catastrofico? Ce lo spiega l’autore, in uno dei tanti volumi-strenna usciti per qualche ricorrenza: la natura di Calvin, così come quella di Hobbes, non riguarda né una peste con una patologia da iperattività né un animale parlante di stampo Carroliano, ha piuttosto a che fare con la differente percezione della realtà che ognuno ha.
Ecco perché nasce una strip in cui i genitori amano il figlio ma non in modo cieco e idillico, perché lo vedono crescere con i loro occhi da adulti; in cui le tigri di pelouche parlano e pensano, perché sono le sedi dell’estroflessione della coscienza di un bimbo che, in fondo, è fantastico nella sua inestinguibile vitalità e che ci mostra il pensiero cattivello dei sei anni. Siamo stati tutti cattivi a sei anni, lo dice anche Sant’Agostino, e ci fa rabbia perché vorremmo continuare a poterlo essere con una valida giustificazione sociale, ma… non si può. E allora, almeno, consoliamoci con Calvin & Hobbes, e approfittiamo per rispolverare qualche grande classico del pensiero pre-illuminista.
Dal punto di vista grafico, le particolarità che più apprezzo di Bill Watterson sono: la grande capacità di trasmettere un senso di movimento in un mezzo molto restrittivo quale la strip, rappresentando sempre in movimento i due “eroi” che dialogano mentre si catapultano giù per ripe scoscese a bordo di slitte o carretti, o giocano a Calvinball (gioco le cui regole non sono mai scritte e si modificano durante la partita); la voluttà tutta felina espressa con pochi tratti solo apparentemente semplici (provate a disegnare un Hobbes espressivo, e noterete com’è difficile renderne efficacemente i lineamenti e il movimento interno); l’ottimo uso del colore nelle tavole domenicali e il sapiente dosaggio del bianco nelle molte scene di neve.
Per i neofiti che volessero approcciare il soggetto, consiglio di cominciare con L'attacco dei mostri di neve mutanti, e la sua discussione eminentemente metafisica sui cattivi pensieri della nostra parte buona o con C’è un tesoro in ogni dove, in cui Calvin esplora brevemente il concetto di aldilà. Super.

Midnight in Paris

2011-12-26T07:20:00.001-08:00

Finalmente Woody Allen ha trovato un attore che lo rimpiazza efficacemente, ed è credibile nel portare avanti la sua poetica di ricerca filosofica, psicologica e metafisica.
Gil (Owen Wilson) sta visitando Parigi con la fidanzata Ines, mentre cerca di finire il suo romanzo. Di solito vive a Holliwood, dove è sceneggiatore molto apprezzato, ma vorrebbe fuggire nell'età dorata della parigi Anni Venti; come per miracolo, una sera in cui tenta di sfuggire al pedantissimo amico della compagna, si ritrova ad un party, circondato da Zelda e Scott, Cole, Ernest, Pablo e Gertrud, Salvador e Louis. Ovvero, Fitzgerald e consorte, Porter, Hemingway, Picasso Stein, Dali e Bunuel. Ah, dimenticavo Man Ray.
Di giorno Gil continua la vita "reale", con cui si scontra acremente, e di notte trova rifugio nell'oro dei Twenties e nei riccioli bruni di Adriana, musa degli artisti (Marion Cotillard), finché costei non gli rivela la nuda verità, cosi facilmente invisibile agli occhi: nessuno crede mai che la vera Età dell'Oro sia quella in cui è nato, ma aneliamo tutti ad un facile escapismo in un passato che dovremmo portare nel presente quotidiano per poterne beneficiare appieno.
Allen sviluppa un'idea carina operando nell'avanzata maturità una crasi tra alcuni suoi cavalli di battaglia: Manhattan (riflessioni di un uomo a passeggio per una meravigliosa città, sceneggiatore in crisi ma non troppo, desideroso di una cultura più profonda e meno sterilmente nozionista), La rosa purpurea del Cairo (il desiderio frustrato di un rifugio in un ideale), Provaci ancora Sam (l'aiuto che ci viene dal passato, se siamo in grado di coglierlo e rielaborarlo).
Inoltre, come nei primi film, ritorna un po' di ottimismo nel finale, in cui avrei visto meglio C. Bruni invece che una sconosciuta slavata biondina, smaccatamente funzionale allo scopo. Altro piccolo difetto è aver mostrato una Ville Lumière un po' troppo da cartolina.
La colonna sonora è pressoché perfetta, come spesso nelle creazioni alleniane, piena di jazz e di brio; devo dire che mi aspettavo anche qualche aria d'opera, che spesso il regista manifesta di amare, magari Turandot (1926 circa).
Ho trovato infine interessante l'uso dei colori, con una fotografia tutta paglia e verde brillante nelle sequenze diurne e cromo e oro nelle notturne; separa bene il presente dai viaggi nel passato senza definire quale dimensione sia più veritiera, suggerendo anzi che le due epoche siano egualmente mendaci e proditorie, ed egualmente affascinanti.

The quiet american

2011-12-19T08:21:00.000-08:00

Thomas Fowler è un giornalista inglese di mezza età che da anni vive nel Vietnam di Ho Chi Minh, lavorando come freelance per varie testate londinesi. Qui ha trovato anche la sua ragione di vita, una incantevole fenice (Phuong) che non può sposare, essendo vincolato al matrimonio cattolico contratto con la moglie inglese molti annni prima. A turbare le loro vicende private e pubbliche arriva Pyle, un medico pieno di fervore pronto ad attraversare campi di battaglia per guarire i bambini dal tracoma. Un americano tranquillo, insomma, pieno di buoni sentimenti e colpito dallo strale di Eros al primo avvistamento di Phuong. Egli non è sposato e, facendo leva su un'ingenua bugia di Thomas, gli sottrae la giovane amata, ma forse nasconde qualcosa di più inquietante di un antico legame coniugale. A cavallo tra gli anni Cinquanta e Sessanta, in piena guerra fredda, molte spie americane vagavano per le terre di nessuno tentando di farle loro, e costruivano gli albori della CIA. Per il bene maggiore, naturalmente.

Due mondi parimenti colonialisti, la Old England e gli US, sono presi in esame con caustico umorismo e dolce malinconia in questo film di Noyce ma, soprattutto, nel romanzo di Graham Greene, grande esperto del genere (su tutti, Il nostro uomo all'Avana). B. Fraser non è male, ma M. Caine è un grandissimo. Bel film, ottimo libro.

Baiser volé - Cartier

2011-12-16T08:01:00.000-08:00

L'ultimo nato in casa Cartier è un inno alla femminilità discreta e romantica.

Cuore di giglio e giacinto, con qualche accenno nascosto di rosa e zucchero, riesce a non essere stucchevole.

Se da un lato la fragranza è poco sfaccettata, è anche vero che è molto raffinata e delicata; a tali doti si aggiunge una notevole persistenza.

Squisito spot con due innamorati che ballano sospesi nella magnifica cornice del Grand Palais parigino, trionfo di architettura Nouveau.

Thank you for smoking

2011-12-14T13:39:00.000-08:00

Jason Reitman ha diretto quattro film: Thank you for smoking (TYFS), Juno, Tra le nuvole e Young Adult; non ho ancora visto quest'ultimo, uscito nel 2011, ma gli altri sono tre centri nel bersaglio.

TYFS in apparenza narra la storia di un lobbista che difende le ragioni delle multinazionali del fumo e tenta di convincere potenziali acquirenti che le sigarette sono meno dannose di quel che vogliono farci credere frotte di politici salutisti. In realtà ci parla del fatto che avere a disposizione un secondo parere è la vera radice della democrazia, quale che sia l'oggetto del contendere, perché la vera libertà è il poter scegliere consapevolmente, e non farsi indottrinare -fosse anche con dottrine positive.

Nick Naylor ha un lavoro per il quale è adattissimo, un'ex-moglie, un figlio intelligente che lo adora, un capo-"Capitano" cinico come un vecchio eroe del Western, due amici che ne condividono il mestiere (una difende le ragioni dell'alcool, l'altro quello delle armi) e si riuniscono settimanalmente sotto il nome di Mercanti Di Morte. Tutto nella sua vita sembra vacillare quando Nick si fa "sfuggire" preziose informazioni a beneficio di una rampante giornalista in cerca dello scoop in periodo di campagna elettorale, ma troverà riparo nella sua grande amica dialettica.

Questa commedia politicamente scorrettissima, premiata come sempre solo nelle competizioni indipendenti e ignorata nei concorsi più tradizionali, non solo è arguta e profondamente morale, ma è anche divertentissima, grazie ad una sceneggiatura che non esito a definire scoppiettante e ad un protagonista, Aaron Eckhart, che recita con maestria. Splendido anche R. Duvall nel ruolo del Capitano.

Così parlò Bellavista

2011-12-11T12:07:00.000-08:00

Il Professor Bellavista è ormai in pensione e del suo filosofare beneficiano i familiari più intimi, senza troppo entuiasmo, e uno sparuto gruppo di amici di varie estrazioni sociali, che si riuniscono nel suo salotto a discutere dell'antica contrapposizione tra Epicurei e Stoici.

Nel loro edificio si è appena trasferito il signor Cazzaniga, da Milano (e già per questo visto con sospetto), che pur essendo ai vertici dell'AlfaSud si presenta al lavoro con puntualità. Mentre questo confronto di posizioni si approfondisce in un'amicizia, la figlia del professore si scopre incinta e cerca di metter su casa con il fidanzato, architetto disoccupato che eredita un negozio di immagini sacre, presto insidiato dalla camorra.

Non si può negare che tanti luoghi comuni infestino questo film, lontano dal capolavoro, però, mettendo da parte per una volta gli snobismi, si deve riconoscergli il merito di far divertire con grande garbo, senza mai essere volgare. Finale un po' malinconico... magari recupero anche il libro, sempre di L. De Crescenzo.

Jane Eyre

2011-12-10T07:42:00.000-08:00

Una ragazza si aggira al tramonto, fradicia di pioggia, nella moorland inglese. Balbettante, viene soccorsa da un pedante parroco attorniato dalle sue sorelle, ed è finalmente in forze sufficienti a ripescare dal suo passato recente quei ricordi che spiegano come e perché è giunta fino a lì.

Orfana e povera, è stata educata a Lowwood, dove la sua più cara amica le è morta fra le braccia. Sola al mondo, soprattutto affettivamente, accoglie con gioia il suo primo impiego di istitutrice a Thornfield ("Campo di spine"), ma sogna la libertà che ad una donna indigente del suo tempo non era concessa. Nella sua nuova casa incontra la benevolenza (Mrs Fairfax) e la passione (Mr Rochester), ma il suo amore ha un grande ostacolo, che si aggira nelle notti fredde di vento e di brughiera, ha lunghi capelli neri e occhi blu e labbra rosse di demone e un'ossessione feroce.

La protagonista ambisce all'indipendenza e alla libertà di un uomo, non quella che un uomo potrebbe darle in veste di marito, traduce in dipinti le immagini crepuscolari dei suoi sogni più intimi, ma è ancora legatissima al senso di decoro e di solidità rappresentati dalle strutture tradizionali (e perciò, attenzione, spoiler, non può accettare la bigamia). Il suo Edward è uno scapigliato dandy, dalla carica sensuale non indifferente, che l'ha impiegata per formare una figlia nata nel concubinato con una ballerina francese e non si potrebbe allontanare di più dall'omonimo Edward, ma Ferrars, di Ragione e Sentimento, senza tuttavia raggiungere la follia e la malvagità di Heatcliff. Jane Eyre è l'anello di congiunzione tra l'immaginario di Jane Austen, composto e formalizzato, ove ogni pulsione è passata al vaglio della ragione, e quello di Emily Bronte, pregno di scenari di incubo e spettri lacerati.

Come risolse Charlotte i dilemmi della sua eroina? Frustrata nei suoi desideri e nel suo amore ella fugge per lande desolate (Marianne-Dashwood-like), dove trova un pretino prontissimo a reinserirla forzatamente in un filone di pensiero tardo settecentesco (Mansfield Park, il già citato Edward Ferrars), preferisce coltivare l'indipendenza (Emma), anche a costo di

lavorare duramente (The Watsons) e ATTENZIONE SPOILER -incredibile ma vero- nel finale si riprende l'uomo dei suoi sogni, ormai povero e cieco, che ora è in grado di mantenere, avendo ereditato una fortuna, ma soprattutto sapendo che è capace di badare a se stessa, anche economicamente. Con un percorso che parte dalla zia Jane e arriva ad una forma di protofemminismo, insomma.

L'ultima versione cinematografica è ben fatta, ottimamente recitata e fotografata, trovo che traduca meglio in immagini le intenzioni dell'autrice rispetto al precedente patinato di Zeffirelli, fedele ma freddo, che si salvava solo per la prova di C. Gainsbourg (W. Hurt era più che dimenticabile). Mia Wasikowska non è

tra le mie attrici preferite -mi disturba esteticamente, e con quella capigliatura mortificante è inguardabile- ma lavora con impegno al fianco di M. Fassbender, molto sexy e persuasivo, e della grandissima J. Dench.

Elizabethtown

2011-12-08T03:26:00.000-08:00

Drew (O. Bloom), designer di scarpe sportive, ci introduce nel suo mondo chiarendoci la differenza tra fallimento (passeggero, comprensibile) e fiasco (il disastro totale): lui è appena stato artefice di un esempio del secondo genere, avendo trascinato la fiorente azienda per cui lavora(va) sull'orlo della bancarotta. Messo alla porta dal capo, Phil (A. Baldwin), vede dileguarsi anche la fidanzata Ellen (J. Biel) e pensa di ricorrere a soluzioni estreme in una sorta di comico hara-kiri meccanico, quando la sorella sconvolta lo informa dell'improvvisa morte del padre.

Mentre la madre (S. Sarandon) si dedica ad una serie di svaghi che la aiutino ad elaborare il lutto, Drew si reca ad Elizabethtown per organizzare i funerali e nel viaggio incontra Claire (K. Dunst), una hostess allegra, invadente e buona.

Alle prese con il paesaggio culturale dell'entroterra del Sud e con la salma che qualcuno vuole cremare, altri vuole seppellire, il rapporto fra i due giovani si stringe, ma uno deve imparare a convivere con la possibilità dell'insuccesso (e a capire che grandezza e popolarità non sono sinonimi), l'altra non osa sperare nella sua capacità di diventare un punto fermo duraturo per qualcuno.

Il film non è scevro da qualche stralcio noioso, che fa da collante a momenti più divertenti e meglio confezionati: bello il primo quarto d'ora, con Alec Baldwin che caccia con stile Drew, molto graziose le telefonate-fiume dei protagonisti, carinissimo il funerale con la Sarandon che balla il tip-tap sule note di MoonRiver, la canzone preferita del defunto. Altri aspetti sono meno riusciti, come il rapporto con i parenti della cittadina del titolo. Soprattutto c'è una colonna sonora sopravvalutata e onnipresente che tende a sovrassaturare la miscela, invece di renderla più fluida.

Breaking Dawn - Sala 2 al Lux

2011-12-06T11:07:00.000-08:00

Il Lux è uno dei cinema storici di Torino, costruito durante il Ventennio (ne porta tutte le stigmate architettoniche) e restituito ai fasti della passata grandeur da un recente restauro, in occasione dell'anniversario dell'Unità d'Italia. La sala 2 è media, come medio è lo schermo, e ieri era assolutamente VUOTA salvo che per noi. Mai abbiamo avuto un'intera camera di riproduzione ad uso privato -mi sentivo come The Aviator, finché non sono arrivate tre bambine a film iniziato, e se ne sono andate prima della fine.

Il film mi ha sorpreso molto: ero pronta a lanciare tutti i miei strali sull'ennesimo scarabocchio cinematografico targato Summit, ma mi sono dovuta ricredere. Non è certo un capolavoro, ma è più che discreto. Il regista sembra saper fare il suo lavoro, la sceneggiatrice ha operato scelte intelligenti e gli attori, incredibilmente, recitano. Persino Pattinson. il ridicolo involontario a cui ci avevano abituato è pressoché assente.

La coppia più strana del mondo, l'umana decontestualizzata e il vampiro compassionevole e filocristiano, va all'altare e parte per il viaggio di nozze, dove si concepisce un ibrido insperato che minaccia di uccidere Bella e consegnare Edward al manicomio degli immortali.

Lungo il percorso cogliamo qualche spunto di riflessione (sempre più sorprendentemente) più e meno serio.

I meno seri:

-sarà davvero così difficile camminare tra un sacco di invitati su un vertiginoso tacco a spillo? Al punto da dover ripiegare -alle proprie nozze- su un paio di scarpe da ginnastica?

-perché ai matrimoni tutti si sentono in diritto di fare discorsi cretini?

-dove si trova un vestito da sposa bello come quello?

-quanto si sono divertiti a girare la scena di Bella che si depila la prima notte di nozze?

-sarà più veloce Edward o Fiorello?

I più seri:

-è difficile affrontare il matrimonio. Io ancora non l'ho sperimentato, ma penso che la convivenza quotidiana e la struttura familiare definita irradino una luce diversa su tutti gli idilli. Charlie lo sa bene, e con un pizzico di sadismo chiede alla figlia se Edward le appare ancora così perfetto...

-ancora più difficile, affrontare la gravidanza. Indubbiamente è un cambiamento enorme negli equilibri del ménage: in un momento d'ira il neosposo esclama qualcosa di analogo a "dovevamo essere una coppia, e poi tu hai deciso tutto anche per me". Altro momento interessante è quello in cui Bella, sorpresa nuda dal marito, si ricopre frettolosamente: anche in condizioni più rosee vedere il proprio corpo deformarsi rischia di produrre simili effetti, anche in coppie apparentemente solide.

-quand'è che una masserella informe di grosse cellule totipotenti smette di essere un feto (in soldoni: una costituzione semi-parassitaria che vive ai danni di sua madre) e diventa un bambino (cioè: una persona)? Alcuni dicono che la transizione sia istantanea per la madre e che duri tutta la gravidanza per il padre, ma di sicuro il dibattito è aperto.

-chi deve decidere di tenere un bambino? La mamma, che è pur sempre il possessore dell'utero ospitante? Il padre? I genitori insieme, anche se il corpo interessato dal cambiamento è solo uno?

Mentre meditiamo, vorrei ancora esprimere soddisfazione per gli effetti speciali che hanno fatto di Kirsten Stewart una salma cachettica, anche se mi è sorto il dubbio che l'attrice sia davvero dimagrita. In questo caso bisogna scomodare paragoni altisonanti, per esempio con C. Bale e con E. Hirsch. In ogni caso i chili persi da lei sono finiti tutti addosso a Carlisle e a Emmet.

Sono un po' delusa dalla colonna sonora, che non presenta grandi novità, ma concordo pienamente con l'ultimo pensiero di Aro: chi disprezza l'ortografia non merita l'immortalità!

Firenze 2011

2011-12-04T06:48:00.000-08:00

Dopo i vari congressi ed eventi, ho chiuso l'anno in bellezza con un Corso Monografico sulle Cefalee. Questa dimensione molto specialistica e ristretta mi è piaciuta moltissimo e non stucca; pochissimi partecipanti, circa trenta, a lezione dalle nove alle diciannove come una classe liceale, uniti dal desiderio di apprendere più che da quello di esibirsi. Lungi da me criticare ipocritamente la natura dei megacongressi, visto che vi partecipo tutte le volte che ne ho possibilità, ma la dispersione e la tendenza alla diversione, bombardati da mille stimoli e sponsor, sono in agguato costante. Invece in questa occasione mi sono sentita di nuovo una discente, accudita e stimolata da un confronto continuo con i colleghi di tutta la penisola.

E Firenze? Naturalmente ho visitato pochissimo della città, che conoscevo per un'incursione approfondita, ma di questa puntata porterò con me alcuni ricordi particolari:

-il Grand Hotel Baglioni: è la sede ufficiale della Scuola Superiore Interdisciplinare delle Cefalee, quindi gli allievi ci si sentono presto a casa, soprattutto se al primo modulo ne seguono altri, come spero accadrà anche a me (dopo 3 moduli si diventa esperti di primo livello, poi si possono raggiungere anche il secondo con 6 incontri e il terzo con nove: a quel punto è come essere cintura nera terzo Dan delle cefalee!!). L'albergo è non solo stupendo, con camere piene di pezzi antichi e vetri cattedrali, ma ci mette a disposizione sale per meeting e una terrazza favolosa con un colpo d'occhio impagabile sulla triade Duomo-Battistero-Campanile, San Lorenzo, Palazzo Vecchio, il Mercato Coperto e Santa Maria Novella. Noi ci facevamo sempre colazione!

-la sera di sabato ci hanno omaggiato di una piccola visita guidata nella Firenze medievale, prima sulle orme di Dante, alla cappella Santa Margherita, dove il sommo incontrò Beatrice, poi alla torre Gota e alla casa museo dantesca (falso colossale, perché ovviamente di Dante non resta nulla, povero esule). Proprio lì un operaio scolpì un profilo del Poeta in una pietra del selciato, che adesso frotte di turisti calpestano per scaramanzia, condannandola ad una futura scomparsa. Siamo poi andati a scoprire le opere dei Buonomini, che aiutano i poveri vergognosi, ovvero le famiglie decadute nell'indigenza dopo un passato di decoro se non di agi, e Orsanmichele, vero capolavoro nascosto, ex loggia del grano costruita da Arnolfo di Cambio, che sulla facciata ospita le rappresentazioni delle maestranze e delle arti, compresa quella medica, sotto le spoglie della dolcissima Madonna del Fiore.

-questa mattina ho avuto l'opportunità preziosa di assistere alla Messa delle 7.30 in Duomo, Santa Maria del Fiore, in una cappella laterale alla destra dell'abside. Messa breve, ma bellissima, che ha illuminato tutta la giornata per le parole squisite del celebrante (ostico tema del giorno era la Giustizia come espressione della volontà Divina) e l'incredibile affresco che adorna la cupola di Brunelleschi.

Sono così ripartita, e scrivo dal FrecciaRossa che ha inaugurato un sistema di wi-fi in promozione (gratuito per ancora qualche settimana), già con la voglia di tornare in questa seconda capitale italiana, mentre sto per rientrare nella prima, la mia Torino.

Il Giardino delle Vergini Suicide

2011-12-01T13:41:00.000-08:00

I coniugi Lisbon hanno cinque figlie belle e bionde, tra i tredici e i diciassette anni, da loro costrette a vivere dentro una campana di vetro. Quando una strana malattia inizia a corrodere gli olmi del quartiere, la più piccola, Cecilia, tenta il suicidio, e ai genitori viene consigliato di lasciare maggiore libertà alle raagazze, perché imparino ad esprimersi meglio al mondo circostante; peccato però che nessun progetto potrebbe essere più inviso alla madre (K. Turner) controllante e al padre (J. Wood) assente e svagato. Cecilia persiste nel suo intento e si getta dalla finestra impalandosi sulla ringhiera del giardino, che diventa la principale imputata della tragedia.

Le altre quattro ragazze riprendono a frequentare la scuola, ma hanno

evidenti difficoltà di integrazione e sembrano ignorare volutamente il loro enorme lutto. La più bella e intraprendente, Lux (K.Dunst) si lascia coinvolgere da Trip (J.Hartnett), giocatore di football corteggiatissimo, lo accompagna al ballo della scuola e fa l'amore con lui sul campo da gioco, ignorando il coprifuoco e scatenando la dura repressione della madre, che le reclude in casa fino al tragico epilogo.

Tante, tante sfumature si colgono nell'opera prima di questa dotata figlia d'arte, Sofia Coppola: la critica alla società chiusa degli anni Settanta -e a quella ipocrita di oggi, il metaforico virus che tutto trasforma in palude verdastra, la mancanza di significato delle piccole azioni quotidiane, il vuoto disperante della struttura familiare tradizionale non sostenuta dall'affetto, ma basata sulla routine. Soprattutto, però, c'è un'incredibile affresco dell'adolescenza, di un suo aspetto particolare che si conosce se si è state delle ragazzine di quattordici anni: una percezione sottilmente alterata della realtà, filtrata da una condizione di straniamento; una sorta di astenia spirituale di profondo valore conoscitivo, che avvicina al mistero della Morte e del Dolore e dell'Amore, una struggente melancolia magnificamente espressa dalla colonna sonora (Air). Parlo di quel tempo di sospensione in cui il colore delle foglie di un albero è sufficiente per provocare il pianto, ci si commuove per strani deja-vu e nessuno sembra penetrare i nostri sentimenti: Sofia l'ha descritto con maestria, seppur con accenti esasperati, usando una fotografia a metà tra Meisel e Aldridge -poeti visivi dei desideri inconfessabili dell'animo femminile.

Il Gattopardo

2011-11-29T10:41:00.000-08:00

Il Principe di Salina comincia a sentire il peso degli anni: le sue terre sembrano non appartenergli più, così sconosciute –molto meglio le conosce e le sfrutta il suo amministratore Don Calogero-, il vecchio re Ferdinando è sostituito, per tramite garibaldino, dal nuovo re Vittorio Emanuele II, le nuove generazioni così piene di fascino e di prorompente vitalità sono distanti e irraggiungibili. Eppure, egli è ancora un meraviglioso leone, o meglio un Gattopardo, e sa bene l’immobilismo che affligge la sua Sicilia e tutt’Italia. Ci adatteremo ad ogni nuova struttura, perché sotto il grande cambiamento superficiale nulla cambi in realtà.
Si distinguono perciò due grandi drammi in quest’opera superba, dipinta da Tomasi di Lampedusa con sguardo cristallino e profondissimo gusto linguistico.
C’è la tragedia privata di Don Fabrizio, il Principone, arreso e ammaliato di fronte al nuovo che avanza, questa borghesia onnipresente e onnipotente che si insinua ormai, con la forza del denaro e del potere politico, in ogni anfratto prima roccaforte dell’aristocrazia più sonnolenta. Don Calogero Sedara, incolto e rozzo, ma candidato a rappresentare la Sicilia nel nuovo Parlamento, e sua figlia Angelica, bellissima e molto ricca, vorace e sanguigna, che senza difficoltà attrae a sé il titolo –unica sua dote- di Tancredi, l’erede spirituale del Principe, e profana con la sua avvenenza sconsiderata le antiche stanze di palazzi nobiliari mai aperti prima agli guardi dei popolani.
C’è il dramma pubblico di un’Italia unita solo in superficie, incapace di affrontare un cambiamento radicale e di slegarsi da tanti retaggi inutili, che trova il progresso più nella cancellazione di aviti splendori che non in un rinnovamento pieno di salute. D’altra parte, è il paese dell’accomodamento e dell’accordo -privato.
Visconti ha trasformato, con la sua perizia, uno dei più grandi romanzi del Novecento in uno dei più bei film del Novecento, pieno di bellezza e di eleganza: i grandi palazzi siciliani, i vestiti, i volti scolpiti, i paesaggi diventano imponenti affreschi di un mondo decadentissimo, in placida attesa di una rovina sotterranea, trasfigurati da una luce d’oro chiaro. Delle luci e delle riprese così si vedono solo in pochi altri capolavori formali, come Barry Lyndon. Anche le musiche mettono in rilievo lo splendore sopito, irriso poiché datato, del mondo di Don Fabrizio, come le arie d’opera verdiane rilette da bande di paese e trasformate in marcette da processione. Alain Delon, Claudia Cardinale e Burt Lancaster completano il capolavoro, dando vita al triangolo dei Salina, animato da quel sospetto di sensualità che non lascia mai la scena ogni volta che Angelica vi si aggira, di bianco vestita.

Lady Susan

2011-11-28T14:09:00.000-08:00

Riprendiamo il tema dei romanzi epistolari con questo piccolo esemplare a prestigiosissima firma di Jane Austen. Oltre ai sei romanzi più noti (cinque dei quali già da me precedentemente recensiti su questi schermi) la zia J. ha lasciato anche qualche bozza e questo divertissement giovanile, che ha come maggiore peculiarità quello di ritrarre con affetto una “cattiva”.
Lady Susan è una giovane vedova straordinariamente bella e affascinante, di poca cultura e ancor minore ricchezza, ma grande eloquio e ambizione. Ha una figlia, suo grande cruccio poiché non le somiglia in nulla, che vorrebbe veder sposata a un ricco sciocco; ha una serie di spasimanti che ha sottratto alle donne che l’hanno ospitata per mesi in casa loro; ha una carissima amica cui il marito ha formalmente proibito di frequentarla, a causa della sua meritatissima cattiva fama.
Con questa corposa dote fa il suo ingresso nella casa del fratello del defunto consorte, dove i suoi raggiri sono frenati dalla prudentissima e pedantissima cognata.
Siamo pur sempre in un romanzo di zia J, perciò sappiamo di non doverci aspettare inconsueti schiaffi alla morale corrente: Madame la Marchesa de Merteuil non abita questi lidi e la vera malvagità non tange i nostri -al confronto ingenui- protagonisti. Parimenti sospettiamo che il tutto finirà con un numero imprecisato di riusciti matrimoni, ma l’evidente simpatia che è rivolta all’eroina protofemminista più spudorata dell’intera produzione austeniana è ulteriormente sottolineata dall’impareggiabile ironia della chiusa. Tutto è bene quel che finisce bene, tutto è bene quello che è scritto da Jane Austen: mai ci si potrà rammaricare a sufficienza della sua prematura dipartita.

The Guernsey literary and potato peel pie society

2011-11-25T09:52:00.001-08:00

Il romanzo epistolare sembrava un genere destinato all’estinzione e l’ultimo che avevo trovato davvero divertente data 1782; si chiama Le Relazioni Pericolose, e si giova di una pletora di protagonisti interessanti e cattivissimi. Non prendo neanche in considerazione i due capisaldi ufficiali del genere, l’Ortis e il Werther, che mi hanno tormentata negli anni del liceo e che sfido chiunque a definire anche lontanamente coinvolgenti.
Con una certa sorpresa, perciò, mi sono accorta dopo poche pagine che questo romanzo mi aveva conquistata con la sua ironia.
Juliet è una scrittrice che durante la Seconda Guerra Mondiale ha contribuito a mantenere alto il morale della sua Nazione, l’Inghilterra, con i suoi editoriali umoristici. Ora che il nemico è vinto, e poco a poco le persone si riappacificano con la vita quotidiana, si ha tempo per gioire della pace futura ma anche per guardarsi intorno e scoprire, sotto i cumuli di macerie, che anche il vincitore è pur sempre sconfitto. Nel mentre di queste considerazioni, la nostra protagonista è raggiunta da una lettera di un membro della società letteraria di Guernsey, una piccola isola della Manica che ha subito l’Occupazione Nazista, recentemente finita: è Dawsey, allevatore di maiali appassionato di C. Lamb, che desidera ampliare la sua biblioteca e ci svela l’esistenza di un club sorto per occultare una lauta cena e proseguito per la necessità di trovare un angolo di bellezza anche sotto un cielo cupo come non si era mai visto in quella piccola terra. Centro delle vicende isolane è stata Elizabeth, ora smarrita nell’Europa continentale, preda della follia germanica: Juliet non può che farsi conquistare da questa resistenza silenziosa ma salda e dai suoi protagonisti, la dolce Amelia e la freak Isola, il serio Eben e l’ubriacone John, e ben presto li raggiunge.
Pieno di riferimenti letterari più e meno alti, questa lunga corrispondenza riesce ad essere nella sua prima parte davvero gradevole e commovente, descrivendo con accenti non patetici le costrizioni grandi e piccole che ogni violenza esercita sull’animo umano. Nella seconda metà si nota purtroppo la mano di una scrittrice meno raffinata, quella Barrows -nipote della Shaffer prima autrice- che ha impedito all’opera di restare incompiuta dopo la prematura scomparsa della zia. L’influenza di J. Austen è evidente dal piglio umoristico e da qualche dettaglio, come i nomi di Elizabeth, centro vitale del libro, e della sua timida amica Jane, evidente omaggio alle sorelle Bennet. Non vi sembra poi che Dawsey e Darcy condividano una certa assonanza? Assolutamente consigliato per una lettura prenatalizia.

Bianca

2011-11-24T12:21:00.000-08:00

Un tranquillo (?) professore ha appena intrapreso un nuovo incarico presso la scuola Marilyn Monroe; si trasferisce nel suo nuovo alloggio, il cui bagno disinfetta appiccandogli fuoco, ne riempie la meravigliosa terrazza di piante che uccide con metodo, inizia a conoscere il microcosmo del condominio e dell'istituto scolastico, ove uno psicologo è appositamente stipendiato per prendersi cura degli insegnanti.

Michele Apicella, come egli si chiama, non tarda a notare gli aspetti più stravaganti di questa nuova sistemazione, circondato com'è da ragazzini iperresponsabili e coltissimi e docenti svagati che conducono lezioni di storia sui cantautori italiani. Del resto, le pareti dei locali scolastici sono tappezzati di poster che ritraggono Zoff e coppie di comici cinematografici.

Nota e giudica, Apicella, e raramente assolve. Tutto scruta, tutto indaga, interroga persino i vasi di fiori morti, diffida dei legami, desidera ordine e logica in modo ossessivo. Anche l'arrivo di una nuova insegnante di Francese, Bianca, non riesce a riportarlo sulla via della felicità, proprio mentre intorno a lui i suoi amici e conoscenti, coinvolti in relazioni fallimentari, muoiono inspiegabilmente.

Moretti ha iniziato precocemente a mettere in discussione la psicanalisi, le relazioni sociali e amorose; lo fa qui con occhio malinconico, profondamente lacerato, a tratti stralunato. Meravigliosi i tentativi di consolazione con rinforzi positivi dolciari, partendo dall'enorme vaso di Nutella in cui si tuffa nudo fuggendo dal talamo che ha condiviso con Bianca (bellissima Morante), per arrivare alla mitica Sacher Torte. Pensare che, non fosse per Nanni, direi che la Sacher è un monumento al barocchismo ridondante e inconcludente; d'altra parte, io preferisco la chantilly, e non concordo sul fatto che la felicità ci sia necessariamente negata, solo sulla nostra masochistica tendenza a continuare a farci del male.

Rocky

2011-11-22T11:46:00.000-08:00

Come in Invictus, appena recensito, anche in Rocky lo sport è un mezzo e non un fine, in questo caso di riscatto sociale e morale per il cupo protagonista.

Stallone, all'epoca ancora poco conosciuto, interpreta il boxeur più famoso della storia del cinema, che lui stesso creò, essendo anche sceneggiatore (e candidato alla Statuetta degli Academy per entrambi i ruoli di screenwriter e attore): fin dai primi minuti delinea un tipo di antieroe molto amato nei bui anni Settanta, cupo, incolto, stropicciato e poco educato, ma desideroso -in fondo-di trovare in sé una scintilla che lo renda degno di ideali più alti.

Tra strade oscure, albe grigie e palestre maleolenti, la timida e bruttina Adriana incarna per questo bullo di periferia l'eco dello StilNovo, un'essenza beatificante che lo spinge a pretendere qualcosa di bello dalla sua vita, ad abbandonare la piccola criminalità e a ricercare una vera dignità; comincia così il suo percorso di scale faticosamente ascese, lividi, orripilanti drinks di uova crude e frollature di quarti di bue fatte a mano nelle grandi sale frigorifero del quartiere (la sola inquadratura del macello vale da sola tutto il film).

Tutto ci parla in Rocky di cinema indipendente di altissimo livello, dai chiari segnali di un budget esiguo ma ottimamente impiegato, ai vestiti/acconciature degli attori, al viso poco espressivo di Adriana. Una volta nella vita tutti ci siamo chiesti, credo, cosa avesse di speciale questa commessa scialba, da far gridare "Adriana, Adriana" al pugile, sconfitto ma felice di aver resistito fieramente: niente, non è speciale. E' vera, è una donna come tante altre che amano e sono amate da uomini veri, di un amore vero. Perciò si merita le urla liberatorie e soddisfatte e tristi e sollevate del sanguinante energumeno sopravvissuto sul ring.

Oscar come Miglior Film, Miglior Regia e Montaggio, più altre nominations sparse, tutte meritate; indimenticabile la colonna sonora.

Invictus

2011-11-21T12:42:00.000-08:00

Nel 1995 Nelson Mandela era appena assurto al soglio presidenziale, dopo ventisette anni di prigionia politica, e si trovava a dover riunificare l'inconciliabile: da un lato gli afrikaner, forti di anni di supremazia incontestata, dall'altro la maggioranza nera, accecata dal rancore e ancora incredula di fronte all'insperato successo elettorale.

Niente di meglio di un campionato mondiale dello sport nazionale (il rugby) per riunire sotto la stessa bandiera gli animi, e niente di meglio di una squadra malconcia e depressa per simboleggiare un desiderio di riscatto. In fondo l'Italia nel 2006 si è stretta similmente intorno agli azzurri, reduci peraltro da una serie di sconfitte e di scandali.

Peccato che gli Springbocks, capitanati da François Pienaar, rappresentassero solo la minoranza bianca... di qui parte il progetto politico-sportivo (più politico che sportivo) di Mandela, perseguito tra un viaggio ufficiale e una riunione di stato, concepito quasi per mettere a disagio la sua scorta.

Eastwood dipinge con intelligenza un illuminato, senza troppe dorature: non nasconde un certo freddo raziocinio alla base di scelte poi pubblicizzate come profondamente "sentimentali".

Alla colonna sonora, decorosa, un altro Eastwood, il figlio Kyle, jazzista di buon livello che aveva già partecipato ad altri progetti paterni.

M. Freeman risulta piuttosto credibile nell'impersonare Mandela, M. Damon mantiene il suo livello di buon attore.

In definitiva, un buon prodotto, compatto e programmatico, ma senza sorprese e poca capacità emotiva.

Il Marchese del Grillo

2011-11-20T10:30:00.000-08:00

Monicelli aveva già utilizzato, con L'Armata Brancaleone e Brancaleone alle crociate, un'epoca remota per parlarci dei vizi dell'Italianità.

All'inizio dell'Ottocento lo Stato Pontificio è guidato da Pio VII: alle sue porte Napoleone bussa con insistenza, inviando frotte di giovani innamorati del loro minuscolo imperatore-soldato. Il Marchese Onofrio del Grillo è un nobile della Roma papalina che impiega largamente i suoi denari e le sue giornate in beffe perpetrate a spese degli accattoni del quartiere, della sua anacronistica famiglia, della sua amante popolana e anche del Reverendo Padre.

Nulla lo fa recedere dai suoi propositi di irrisione, poiché tutto è concesso al potere e alla ricchezza: se, da un lato, Onofrio si interroga, a volte con malinconia e amarezza, sulle sorti di questa giustizia calpestata, dall'altro non fa rinunce sull'altare dell'equità, rendendo volutamente sterile la sua perenne provocazione, ben riassunta dal "Mi dispiace, ma io so' io, e voi... non siete un c..o!". Lo stesso vale per la critica implicita alla struttura dello Stato Vaticano, ove la corruzione albergava più della fede, riconosciuta tuttavia come struttura molto più salda di imperi pur fondati (teoricamente) sui nobili ideali di libertà-uguaglianza-fratellanza: in fondo, l'imperatore prima o poi cadrà, mentre "dopo un Papa, se ne fa sempre un altro".

Questa allegria sfacciata così ostentata dalla classe dominante vi ricorda qualcuno? E' bene ricordare come la pellicola risalga al 1981, dimostrando che -fatto questo assai angosciante- l'atteggiamento del Marchese è radicato nel potente italiano, non è un accessorio di un personaggio transitorio; altrettanto angosciante è la rassegnazione quasi divertita con cui gli astanti beffati, dai clientes in attesa di elemosina al papa, accolgono i suoi abusi.

Alberto Sordi, principe della scena dalla prima all'ultima inquadratura, rappresenta meravigliosamente, con feroce sarcasmo il curioso coacervo di cultura, generosità (ché il Marchese è filosofo assai fine, badiamo, tutt'altro che sciocco, e capace peraltro di inaspettate generosità) e volgarità, gratuita crudeltà, inaffidabilità di cui l'Italia fa mostra.

Recessione

2011-11-17T08:18:00.000-08:00

"Si vede che siamo in tempo di recessione: prima avevamo TreMonti, adesso ci hanno lasciato un Monti solo".

Potrei aggiungere che al prossimo giro di giostra ci capiterà un Collina...

Ovviamente non si vuole dare qui un giudizio diminutivo sul nostro novello premier, non fosse altro per il fatto che, per equità, sarà bene lasciargli un po' di tempo per risollevare le nostre sorti o per deluderci, ma la battuta di humour squisitamente inglese mi ha conquistato. Grazie P., continua a coltivare il gusto per il surreale!!

N.P.

2011-11-14T10:41:00.000-08:00

Nonostante la pila di libri comprati in attesa di essere letti, ho ripiegato in un momento di stanchezza su un titolo che avevo letto molti anni or sono, N.P. di B. Yoshimoto.

Kazami è un'assistente universitaria il cui ex-fidanzato si è ucciso traducendo l'ultimo racconto dello scrittore, anch'egli suicida, Sarao Takase. Nel corso di un'estate conosce i tre orfani dell'autore, i gemelli Otohiko e Saki, e Sui, figlia di un'amante di passaggio, con cui ha avuto una relazione incestuosa. Del resto la problematica Sui ha proseguito sulla strada del disastro, intrattenendo con Otohiko un legame sentimentale profondissimo che li trascina sull'orlo del baratro.

Banana, figlia di un titolatissimo scrittore dell'epoca d'oro della letteratura giapponese contemporanea, dipinge un'unica figura forte, che provoca irritazione e ripulsa ma non cessa di attrarre, come un diavolo tentatore. Ogni altro personaggio vive di luce riflessa all'ombra di Sui, la figlia imperfetta e amante scapigliata, dal fratello-innamorato pallido e debole alla sorellastra gentile e sottile come un fiore.

La trama è sinceramente inverosimile, piena di errori temporali e lungaggini senza significato stilistico, ma credo che il senso del romanzo vada ricercato nella contrapposizione tra il buio delle anime dei tre fratellastri e il colore caldo del sole d'agosto, che esacerba le emozioni violente.

A rileggerlo oggi, mi sembra più un esercizio di stile che un vero romanzo, a differenza di prove più acerbe ma molto più belle, come l'ottimo Kitchen.

Alice al congresso 2.0

2011-11-12T10:56:00.000-08:00

Aaaarghh!

Questa esclamazione scomposta ha seguito la notizia ricevuta giovedì u.s. (che significa: ULTIMO SCORSO! e oggi è sabato...) di dover fare un intervento ad un corso. Devo inviare il materiale venerdì p.v. (che significa: PROSSIMO VENTURO).

Ragazzi, mi dispiace di aver urlato aaaarghh, ma, tutto considerato poteva anche essere peggio.

In fondo io adoro parlare ai congressi e ai corsi, è che mi piace saperlo prima. Due o tre settimane prima bastano già.

Comunque il pensiero della meta è bastato a farmi tornare il buonumore: Firenze, anche by night -che è quel che resta del giorno dopo le lezioni- è sempre meravigliosa.

La giornata odierna è perciò volata nel confezionamento di slides, e ora mi rilasso per qualche minuto scrivendo questo post, in cui per la prima volta inserirò uno scrap, una bozza di disegno, del mio personaggio twilightiano preferito.

Io sarò vestita esattamente con questi abiti e -soprattutto- avrò proprio questo taglio di capelli. L'ho adottato circa 6 mesi fa e devo confessare che lo adoro, mi permette di portare il mio spirito più rock anche al lavoro. Inoltre è abbastanza facile da gestire, con una cera meravigliosa che si chiama Playball.

The artist

2011-11-09T14:19:00.001-08:00

Curiosamente, sulla Costa Azzurra trovare una sala da cinema decorosa è un'impresa non da poco. Ci siamo riusciti a prezzo di un biglietto particolarmente salato e di un multisala Pathè spersonalizzante in cui i biglietti sono venduti da orride e silenti macchinette con touchscreen. Lo si trova ai bordi di Nizza, in un quartiere desolato anzichenò, nel gruppo commerciale Lingostière.

Il film: è possibile girare un film muto in bianco e nero nel 2011 e farlo apprezzare al pubblico? Presentarlo al Festival di Cannes, sì; magari anche fargli vincere un premio intellettuale in una categoria defilata, senz'altro. Ma creare un'opera d'arte che arrivi al cuore dello spettatore? Ebbene, devo dirvi un sì senza riserve, con un plauso al regista Hazanavicious e ai suoi due attori preferiti, Dujardin (miracoloso, una palma qui da Miglior Attore) e la Bejo (così amata che l'ha sposata), senza dimenticare i cammei americani (M.Mc Dowell) e il maggiordomo perfetto J. Cromwell.

George Valentin è un divo del cinema muto, ma l'avvento del sonoro travolge la sua carriera, il suo matrimonio e il nascente sentimento per la collega Peppy Miller. La trama è dunque semplice, ma coesa, efficace e permette da un lato un'azione lineare compatibile con il mezzo particolare scelto dal realizzatore, dall'altro getta solide basi citazioniste-postmoderne richiamando film come Tempi Moderni e Cantando sotto la pioggia. Le citazioni e gli omaggi continuano con sequenze rivelatrici di uno smodato amore per il cinema: le riprese sul set che evocano Effetto Notte di Truffaut, il sogno bianco di intuizione felliniana (8 e 1/2), gli svelamenti alla Quarto Potere di Welles e persino un falò di pellicole infiammabili dal retrogusto tornatoresco (come dimenticare l'incendio di Nuovo Cinema Paradiso?), più tutta una serie di altri riferimenti che probabilmente non ho colto solo per ignoranza.

Se tutto ciò non vi ha convinto, come non mi ero fatta persuasa io leggendo altisonanti critiche, ecco cosa lo farà: il trailer, in cui si possono apprezzare la bellezza della fotografia, la precisione della recitazione mimica e le adorabili musiche, e l'assicurazione che nonostante i 100 minuti di durata la storia vi terrà incollati alla sedia.

Parto col folle

2011-11-06T08:41:00.000-08:00

Peter è un tranquillo architetto, in attesa del suo primogenito. Sul volo che lo porterà dalla sua dolce metà incontra il pasticcione Ethan, che, malinteso dopo malinteso, lo trascina nella condizione di sans-papier, proprio quando deve attraversare l'America: dovrà farlo a bordo di un'auto guidata proprio dallo sconsiderato aspirante attore barbuto e cotonato.

La parte migliore di questo film, per una volta, è l'adattamento del titolo italiano, che con una locuzione fortunata riunisce la necessità di un viaggio partito con una marcia sbagliatissima e il nervosismo comprensibile di una futura mamma che affronta le doglie assistita dal sorriso buono ma stralunato di Z. Galifianakis; R. Downey Jr. è sempre molto affascinante e ho un debole per la sua bellezza stropicciata, ma Zack è chiaramente il nuovo comico su cui Hollywood punta, dopo aver dimenticato la meteora J. Black.

Le gag sono graziose, ma risentono un po' del già-visto-già-sentito tipico del genere: dopo La strana coppia e Una poltrona per due è difficile inventare qualcosa di veramente rivoluzionario. I momenti più riusciti sono pertanto il caffé con le ceneri e la versione on the road di Hey, you con fumo di mariuana passivo. Da proscrivere l'odiatissimo cane. Divertente, ma è possibile aspirare a qualcosa di meglio.

Ile-de-France

2011-11-01T06:10:00.000-07:00

Parigi è una città meravigliosa, ricca e internazionale, facile da visitare e di gran classe; queste sue qualità spesso hanno messo un po' in ombra i suoi dintorni, come accade a tante metropoli e luoghi d'arte. La regione che la ospita è l'Ile-de-France, tra le più prosperose dell'Europa, piena di coltivazioni intensive e all'avanguardia e di eredità di un passato glorioso.

Originaria sede della dinastia Capetingia e blasonata dal celebre giglio dorato in campo azzurro, che rimarrà nei secoli l'emblema dei reali francesi, è anche una delle aree a più alta concentrazione di castelli, palazzi e ville nobiliari, al punto da competere alla pari con la Loira.

Particolarmente interessante in questo senso è il distretto d'Yvelines: se Versailles oscura al turista frettoloso il resto delle altre bellezze meno pubblicizzate, è vero anche che ci sono ben cinque altre "cittadine reali" che possono vantare regge e casini di caccia molto ben ristrutturati, con parchi prestigiosi, come Rambouillet, Breteuil, Maisons-Lafitte, Thoiry.

Completano il quadro due appuntamenti importanti con la storia: la fortezza della Madeleine, nella Valle della Chevreuse, cuore pulsante della Guerra dei Cento Anni, e le rovine di Port-Royal (l'abbazia è ormai distrutta, restano i granai), ove operò la sorella di Pascal e studiò Racine, e ora dimostrazione ennesima che pestare i piedi del Re Sole di turno produce disgrazie, anche per i giansenisti che fidano solo nella Grazia.

Insomma, un'oasi in cui trovare rifugio dalla vita moderna, tuffandosi in un passato ancora fragrante di filosofia.

Abbiamo alloggiato per l'occasione in un adorabile bed & breakfast allestito in un'antica casa di pietra tipica della zona; quattro stanze a tema che il proprietario adorna con mobili originali giunti un po' da tutto il mondo, in prossima espansione. Le camere sono piccole, ma pulite, con bagno privato e wi-fi (all'ingresso si legge un cartello con l'esilarante avviso "eau, gas et wi-fi à tous les étages", come si leggeva sulle antiche case altoborghesi parigine all'inizio del Novecento -senza wi-fi, bien sure).

Il cortile, ampio e arredato di comode sdraio, è sede di stravaganze arboree, come palme, ulivi e piume di pampa, curiosamente fuori luogo e ciononostante pieni di salute. Meravigliosa veranda da colazione, con pareti trasparenti. Per seguire le nostre orme, lo trovate a Magny Les Hameaux, questo il sito: www.petit-nailly.com.

Mamma Mia!

2011-10-29T06:21:00.000-07:00

Sophie (A. Seyfried) ha solo vent'anni ed è stata cresciuta da una ragazza madre (M. Streep) in un piccolo albergo, che ora gestiscono insieme, su un'isola egea. Sta per sposarsi, ma qualcosa la tormenta; supponendo che si tratti della sua mancanza di radici, sbircia i diari giovanili della mamma e scopre i nomi dei tre uomini che hanno avuto la possibilità di donarle metà del suo patrimonio genetico. Cosa di meglio se non rintracciarli e invitarli? E cosa di più inverosimile se non vederli arrivare tutti e tre, felicissimi nello scoprire che potrebbero avere una figlia ventenne?

Sam (P. Brosnan), Harry (C. Firth) e Billy (S. Skarsgard) si prodigano al meglio delle loro possibilità per consentire alla forse-figlia un matrimonio da favola, ma mamma Donna non è felice di rivederli in branco, temendo il giudizio di Sophie sulle sue leggerezze passate.

La conclusione è abbastanza scontata, con la fanciulla che decide di conoscere meglio se stessa prima di impegnarsi in una relazione definitivamente vincolante e Donna che con vent'anni di ritardo sposa il suo grande amore. La trama è senz'altro la parte più debole dell'insieme, che risulta comunque gradevole per l'insieme di canzoncine terribili in pieno stile ABBA (molti brani sono proprio loro), abiti e situazioni orrendamente e spassosamente kitsch e le belle voci dei protagonisti, tutti capaci di cantare e ballicchiare decorosamente. Passabile.

I padroni della notte

2011-10-25T12:49:00.000-07:00

Bobby è un ragazzone moderatamente scapestrato che gestisce con successo un night club di proprietà della mafia russa; lo accompagna una bellezza portoricana di professione entreineuse, l'unica a conoscere il suo vero cognome: non Green, ma Grusinski. Ragione dell'inganno è il celare che il resto della famiglia, nelle persone del padre e del fratello Joseph, sono esponenti di spicco della polizia di New York, impegnata in operazioni antidroga proprio contro i datori di lavoro di Bobby. Questi decide di diventare un infiltrato quando Joseph è ferito dal nipote del decano russo, ma, scoperto, causa la morte del padre.

James Grey dipinge un presente cupo come un romanzo russo d'inizio Novecento, e altrettanto pieno di caustico umorismo e dannazione; per farlo usa la palette dei pessimisti futuri prossimi di Ridley Scott, pieni di grigi, ma soprattutto di blu. J. Phoenix, tra i suoi attori prediletti, diretto anche in Two Lovers, è perfetto per il personaggio lacerato e decadente di Bobby, così come molto azzeccati sono anche il perfettino-rigidino M. Wahlberg per Joseph e R. Duvall per il padre, integerrimo ma capace d'amore anche per il figliol prodigo. Sospendo il giudizio per E. Mendes, che non ho mai amato per le sue forme un po' volgari, ma credibile in quest'opera triste.

Il finale mi ha un po' sorpreso (ATTENZIONE, SPOILER): il neo-poliziotto si fa giustizia da sé manifestando una profonda, radicata sfiducia nel sistema che ha deciso di sposare, e i suoi colleghi lo applaudono; d'altro canto l'originale difensore della legge per vocazione scopre l'affetto per la pecora nera di famiglia e si ritira in amministrazione. Follie della vita moderna.

Violetta

2011-10-18T14:19:00.001-07:00

Accendiamo un po' la televisione per sprofondarci nel vecchio drammone sentimentale.

In un tempo lontano c'erano i feuilleton, ovvero i romanzi d'appendice: venduti a puntate, erano letti quasi di nascosto da un pubblico prevalentemente femminile, tacciabile di leggerezza e di cattiva fama se sorpreso nell'atto di dedicarsi ad un tale, riprovevole, passatempo. Con gli anni -a volte i secoli- il romanzo d'appendice ha rivelato il suo vero spessore: alcuni sono diventati capolavori di agilità linguistica ineguagliabile (Dumas padre, per esempio), altri sono caduti nell'oblio senza grandi clamori.

La letteratura d'evasione è stata poi sostituita nella sua funzione sociale dal melodramma, prima con l'opera, poi con l'operetta. Negli anni del boom ci sono stati gli "sceneggiati", che avvicinavano il grande pubblico -spesso incolpevolmente incolto- ai grandi romanzi della letteratura internazionale. Oggi tutto ciò è stato sostituito dalla fiction.

Cosa separa la fiction dallo "sceneggiato"? La lingua (fiction è INUTILMENTE una parola inglese, peraltro usata, come spesso accade da noi, impropriamente) e il livello del prodotto finale. Il pubblico target e il senso di vergogna serpeggiante nel fruitore, in compenso, sono rimasti gli stessi del feuilleton.

Badate, io appartengo ad una generazione piuttosto giovane, non è la nostalgia degli anni passati a rincorrere il vento che mi fa parlare così: è l'aver visto Belfagor, Il segno del Comando, La freccia Nera etc.. e l'averli comparati con Le sorelle Fontana, Il campione e la Miss e, ora, Violetta.

La storia è nota a tutti, persino Pretty Woman conosce la trama di Traviata. Violetta Valéry è interpretata da Elisa di Rivombros- ah, no, scusate, si chiama Vittoria Puccini. Alfredo Germont da un ragazzo bellissimo con una sola espressione. Non riesco a ricordarne il nome, ma la faccia torna in mente. Io apprezzo molto la Bellezza, per me ha valore in se stessa, ma non bisogna usarla per vendere fumo: questi due ragazzi sono stupendi, ma non sanno recitare.

L'ambientazione è abbastanza curata, i costumi e il trucco sono la parte migliore, molta attenzione ad un dettaglio curioso: hanno insegnato davvero bene alla Puccini a tossire come una tubercolosa, si vede che c'è impegno.

In compenso il ritmo non è brillante e la colonna sonora -già potenzialmente pronta e composta dal Sommo Musicista Italiano- è ridotta a quattro striminzitissime battute saccheggiate dal primo atto dell'Opera Verdiana e ripetute ossessivamente per ben due serate.

Insomma, meno peggio di tante produzioni orripilanti che infestano le nostre reti, ma occorre dirlo: dopo Bianca, Violetta. Continuiamo così, facciamoci del male.

Juicy couture - Fragrance

2011-10-17T10:05:00.000-07:00

Creato da Harry Freemont nel 2006, questa fragranza ha consacrato la giovanissima casa di moda e accessori partorita dalla mente di Pamela Skaist-Levy e Gela Nash-Taylor, due intraprendenti signore intente a dimostrare che gli USA sono glamorous quanto l'Europa. Tralasciando le contese-ai posteri l'ardua sentenza-, parliamo del profumo, che nelle intenzioni di Pamela e Gela sarebbe dovuto essere "quello che si metterebbe Barbie".

Si parte con delle note di testa fruttate molto dolci: anguria, mandarino e passiflora, che avvolgono e rassicurano; il cuore è più fresco e verde, con foglie pestate, giacinto, mela verde, tuberosa, rosa e gigli, ma recede presto per asciare spazio a un fondo curioso, dolce con brio, di vaniglia, caramello, patchouli e crème brulée.

Non so se davvero Barbie sia il volto giusto, certo è che Juicy Couture ha un profilo molto sensuale e delicato allo stesso tempo, invitante senza essere volgare, senza ciprie ottocentesche. Persistente e penetrante, va usato con moderazione, anche perché la poliedricità di cifre olfattive contenutevi può risutare stomachevole se in eccesso.

Confezione molto glam.

Nowhere Boy

2011-10-16T11:23:00.000-07:00

Come comincia la storia di un mito, se non con un'adolescenza problematica? Ecco perché io non sarò ricordata nella storia: ho avuto un'infanzia troppo felice, e una giovinezza tranquilla, in una famiglia normalissima.

Trascendendo da queste considerazioni emisferiche destre, scopo di Sam Taylor-Wood è quello di tratteggiare le origini della figura di John Lennon, radicate in una vicenda familiare inusuale: concepito da una madre immatura e cresciuto dalla zia, John scopre l'identità della genitrice a quindici anni e inizia con lei un rapporto pieno di complicità, ma anche di sventatezza (soprattutto da parte della madre), con qualche ambiguità legata alla femminilità un po' esplosiva di mamma Julia. Tanto quest'ultima è spensierata ed espansiva, tanto è chiusa e burbera Mimi, la zia che ha sempre accudito John con amore profondo e poco palesato; pur con tutti i limiti del suo carattere Mimi vince facilmente la palma di figura genitoriale sul lungo periodo, e Julia -complice una prematura morte- rimane nell'immaginario collettivo una donna dolce e svagata, forse meno eterea di come è qui rappresentata, il cui merito maggiore è di aver convinto il figlio a perseguire il sogno di diventare musicista.

Paul e George si aggregano in fretta alle prime boy-band guidate dal protagonista, l'eletto per carisma ma non certo per doti canore o musicali, e i Quarryman si trasformano lentamente nei Beatles in questo film non eccelso ma gradevole, delicato e simpatico.

Colonna sonora sorprendente, perché non a base esclusiva di canzoni dei Fab Four, e in particolare non è stata inserita Julia, che sarebbe stata scontata. K.S. Thomas riesce a infondere una luce poetica in ogni suo ruolo, dai più ridicoli (Quattro matrimoni e un funerale), a quelli drammatici (Gosford Park) ai grotteschi (Tamara Drew), ed è ancora una splendida lady.

Riccione

2011-10-11T10:20:00.000-07:00

A un anno dall’uscita casertana, eccomi di nuovo con kit congressuale per la Società Italiana di Studio per le Cefalee, che si è riunita a Riccione tre giorni or sono. Il Frecciarossa e le occhiaie sono sempre molto Alice Cullen, il nuovo taglio di capelli forse ancora di più, il glamour dello scenario ha subito invece un crollo verticale, fissato in questa località inconsueta per un convegno. Centro della vita di Riviera, Riccione è un luogo che non avevo mai esplorato prima, e scientemente. Pulitissima cittadina distesa sul mare, sembra vivere esclusivamente di un turismo talassocentrico, non interessato a null’altro che ai bagni e al divertimento notturno poco fuori porta: ogni tre edifici uno è un albergo e, a parte il lussuoso Des Bains, tutti sembrano curiosamente consunti, come se la salsedine li corrodesse lentamente dagli anni dorati del boom economico o, ancora prima, dalle famiglie amarcordiane del Ventennio. In questa stagione ormai più che avanzata, somiglia più che altro ad uno di quei set abbandonati del periodo di Cinecittà, popolata da spaesati e stranieri professionisti, armati di improbabili tubi per poster invece che di boccagli da snorkeling.
A differenza di Rimini, Riccione pare priva di un centro storico, sostituito dal modaiolo Viale Ceccarini, luogo di ritrovo obbligato e pascolo delle congressiste in cerca di una pausa e di una borsa (che non ho trovato). I ristoranti sono graziosi e il cibo è buono, ma purtroppo abbiamo avuto poche occasioni per immergerci nella gastronomia locale più ruspante, seguendo un percorso ufficiale più tradizionale a base di ottimo pesce arrostito o grigliate miste di mora, il maiale locale. Oggi, prima di lasciare il mare per rituffarmi nella quotidianità torinese, abbiamo abbandonato per le ultime due ore l’Accademia per una (enorme) piada fra amici, in un grazioso locale con veranda sul mare che mi sento di consigliare: FRENK, tra i bagni 68 e 69 del lungomare. CVD, avere un bel ricordo di un viaggio non dipende necessariamente dalla sede, ha più a che fare con la compagnia!

La mia africa

2011-09-30T01:47:00.000-07:00

Karen è bella e ricca, ma le serve un titolo nobiliare; a questa necessità provvede il Barone Blixen, che la impalma per la sua ricca dote e la trascina sull’altipiano keniota a coltivare caffè. In questi possedimenti dapprima inospitali, che accolgono una tribù Kikuyu, Karen fronteggia da sola le difficoltà di interagire con una cultura estremamente differente, di intraprendere coltivazioni inappropriate ai terreni di altitudine elevata, di ribellarsi al ruolo statico della donna nelle colonie inglesi e tedesche degli anni trenta. Da sola, sì, perché suo marito si fa vedere a casa solo per trasmetterle qualche malattia venerea e per la maggior parte del tempo si occupa di cacciare o andare in campagna militare o trovare altri modi “virili” di scansare le durezze della vita quotidiana.
Le tengono talora compagnia Denis Finch Hutton e il suo amico Berkeley, due veri amanti della letteratura, della musica e dell’Africa. In particolare Denis si scava un posto nel suo cuore, lui fiero come un leone e libero come un Masai, onorevole e romantico, un po’ allergico ai comandi della società costituita.
Il libro della Baronessa è il diario accorato e sincero di una donna intelligente e aperta con un mal d’Africa acuto e rassegnato; rispetto al film si concentra molto più sul rapporto delicato con i Kikuyu e le loro usanze, i tribunali, la piccola scuola da lei inaugurata. Il film ruota più insistentemente sul rapporto fallimentare col marito e su quello idilliaco, fuori dal tempo, con Denis, corredando il tutto con immagini perfette e di grande forza emotiva. Un po’ cartolina? Forse, ma stiamo parlando del Kenia degli anni Trenta, ancora vergine nella sua ferocia e nella sua bellezza, pur nell’esproprio coloniale. In ogni caso la splendida fotografia con un po’ di tabacco e tanto verde dell’opera di Pollack trae il meglio dal tris di grandi attori a sua disposizione: M. Streep, K.M. Brandauer e R.Redford. Sempre commovente, anche dopo decine di visioni. Colonna sonora suggestiva e azzeccata.

Amadeus

2011-09-19T10:41:00.000-07:00

L'ultrapremiato film di Forman si presenta con i colori e il disegno di un dipinto fiammingo, carico di tinte soprassature e linee voluttuose. Tratto da una pièce di Shaffer, narra gli ultimi 7-10 anni della vita di W.A. Mozart da un punto di vista rivoluzionario per il 1984, ovvero con gli occhi di Salieri, il suo massimo antagonista. Ripercorriamo insieme a lui, ormai vecchio e folle, gli anni della creazione operistica, delle sinfonie maggiori, della miseria e dell'alcool, e scrutiamo quasi di nascosto il tragico rapporto con un padre padrone, la paura della morte, la fossa comune.

Salieri non era musicista malvagio, piuttosto colto e raffinato, noto inoltre per la sua vita proba; deve essere però durissimo, al limite dell'annientamento, vivere con la lucida coscienza dei limiti del proprio talento quando si ha la capacità di riconoscere il Genio che ci vive accanto. Scrivere al tempo di Mozart sarebbe stato abbastanza per azzerare qualunque dote non altrettanto eccezionale. Così è stato per Telemann, oscurato da Bach, così deve essere stato per gli innumerevoli scultori che popolavano Roma mentre Michelangelo realizzava la Pietà. Sembra di sentire la frusta di Capote che li tormenta senza requie.

Forman è stato capace di dare alla pellicola un taglio personalissimo, di incredibile effetto drammatico, con un protagonista più che sopra le righe, ipomaniaco, fantasioso e incoercibile, sbadato, presuntuoso, volgare e meravigliosamente folle, da contrapporre a questo antagonista triste ma così umano, comprensibile, lacerato e solo.

Mi è un po' dispiaciuto, invece, che si negasse così recisamente l'aspetto politico del lavoro di Mozart, visibile soprattutto nella sua produzione tedesca (per prima cosa, è già politica la scelta della lingua, ma se ci fossero dubbi, non si può non vedere un intento filosofico-politico manifesto nella trama e nella simbologia massonica del Flauto Magico, assimilato qui ad un'operetta da popolino). Inoltre viene completamente scotomizzata la figura della sorella Nannerl, che mitigava un po' gli eccessi del compositore.

La musica è favolosa, ma forse dirlo è superfluo. Qual è il vostro brano preferito? I miei sono il duetto tra Papageno e Papagena e il Lacrimosa del Requiem, ma è un dolore non poterli elencare tutti.

I pilastri della Terra

2011-09-18T09:43:00.000-07:00

Con molta diffidenza, ad un anno dall'acquisto e stanca di avere questo mattone di mille pagine sul tavolino dei libri "In Attesa Di Esser Letti", ho cominciato il mallopposo best-seller di Ken Follett, il libro che tutti sembrano aver letto e io pensavo fosse ambientato nella preistoria. Tanto per manifestare la mia profonda conoscenza dell'autore, ammetto anche di aver controllato sulla copertina che il cognome andasse scritto con due T.

Ricrediamoci: centro della vicenda è la costruzione di una meravigliosa cattedrale gotica nell'immaginario paesello di Kingsbridge, una isola di bellezza e cultura in un medioevo dominato dalla violenza del forte e dalla totale assenza del concetto di diritto. Ci sono i buoni, i cattivi, quelli che si situano nel mezzo, ma per tutti vale un'unica legge: se subisci un sopruso, o ti vendica direttamente Dio o nessuno ti difenderà; la legge cambia al mutare del regnante in carica e la convenienza annulla la giustizia.

In questa lotta per la sopravvivenza si stagliano le figure dei due costruttori, Tom e Jack, rispettivamente patrigno e figliastro, Philip, l'illuminato Priore, Ellen, la madre di Jack, e Aliena, la bella protagonista dai seni leggendari e soprattutto notevoli doti di adattabilità. Ah, dimenticavo i cattivi: come in tutti i romanzi storici che si rispettino, c'è il cattivo bruto e becero, bovinamente ottuso, William, e quello astuto e pericoloso, Waleran.

Insomma, la trama è solida, la storia d'amore pure (molto romantica, devo dire), c'è persino un po' di femminismo ante litteram e una bella visione architettonico-filosofica della Chiesa -intesa nel doppio senso di Clero militante e struttura in pietra. Il bel protagonista, infatti, nel suo peregrinare per la Cristianità, elabora l'idea rivoluzionaria di una Cattedrale aperta sull'Infinito, aerea, leggera e allegra, piena di sole e di colore: pur agnostico, è capace di individuare la più vera essenza della Fede nella Luce.

Le maggiori pecche sono le scene di violenza piuttosto crude, certo realiste ma forse eccessivamente compiaciute, che si potevano alleggerire di qualche dettaglio, e una prosa un po' trasandata e ripetitiva. Nonostante queste, si legge d'un fiato.

Il porto di Nizza

2011-09-11T09:58:00.000-07:00

C'é un quartiere di Nizza che tutti i nizzardi doc amano appassionatamente: il Porto.

E' un luogo ammantato di un fascino particolare, internazionale nel senso più vero della parola, abitato da non troppi turisti (considerato lo standard della regione) ma piuttosto da persone interessate a ricreare una città a misura d'uomo, giunte da tutte le coste del Mediterraneo; ne risulta una curiosa mistura di case dalle linee austere e dai colori sgargianti, piena -come direbbe Corto Maltese- di ladri e di belle donne.

Proprio nel cuore del Porto abbiamo scoperto di recente un piccolo adorabile locale, con due spoglie stanze al coperto e qualche tavolino disposto sul marciapiede, in un improvvisato dehor, dove è possibile per pochi euro mangiare sur le pouce: un pasto rapido, economico e tipico del luogo. Il cavallo di battaglia di Chez Pipo -così si chiama- è la socca, una specie di farinata più pepata e meno unta, ma vanno assaggiati anche i crostini con la tapenade (patè di olive, verdi e nere), l'anchoiade (salsa di acciughe) e le altre paste e creme prodotte dalla casa, magari innaffiandoli con un bicchiere di Cote de Provence -con la socca il rosso è di rigore!

In rue Bavastro 13. Chi era Bavastro? Un pirata, naturalmente...

Sleuth

2011-09-08T10:08:00.000-07:00

Il marito tradito di una donna capricciosa invita nel suo splendido maniero il giovane amante di lei, per proporgli uno strano scambio: a patto di liberarlo per sempre dalla moglie fedifraga e interessata, gli concederà di rubare alcuni gioielli di grande valore presenti in casa. In realtà l’offerta nasconde il desiderio di vilipendere e umiliare il ragazzo, attore spiantato ma sfacciatamente sicuro di sé. Il confronto si trasforma in una prova di resistenza tra due aspiranti maschi alfa, il vecchio scrittore socialmente inserito e benestante e il ragazzo dalle grandi potenzialità malgestite.
Adattato da una piéce di Shaffer dalla blasonata penna di H. Pinter, Sleuth riesce a non annoiare nonostante i soli due attori costantemente sulla scena, impegnati nel loro scontro all’ultima battuta e all’ultimo sangue, per una donna che non vedremo mai. Micheal Caine e Jude Law sono entrambi caratteristi squisiti, benché il secondo sia notevolmente imbruttito da una capigliatura che oserei definire offensiva. La regia di Branagh è particolarmente adatta a sostenere il genere ibrido cinema-teatro e sfrutta al meglio anche la precedente esperienza di Caine, che in un precedente adattamento interpretava il giovane amante.
Mi ha un po’ sorpreso e deluso il finale, in cui speravo che i due uomini si alleassero per isolare il comune nemico, questa donna sfuggente che non ama nessuno e approfitta di tutti: sarebbe stato per entrambi l’unico modo di vincere lo scontro, e io non amo le sconfitte.

Nel paese delle creature selvagge

2011-09-06T12:16:00.000-07:00

Max è un bambino irritabile, cresciuto da una madre semidisperata e da una sorella indifferente. Dopo una lite familiare, scappa per approdare ad una strana terra abitata da grandi esseri pelosi, pupazzi simili ad enormi ornitorinchi e incroci di animali a quattro e due zampe. Raccontando un cumulo di bugie, si fa proclamare re di questa terra oscura, dove ci si morde per gioco, si distruggono villaggi in raptus di collera, non si segue la strada della razionalità ma solo dell’istinto più crudo. Stringe presto amicizia col più impulsivo dei mostri, suo perfetto alter ego, Carol, che coltiva il sogno di fondare una città dove tutti siano davvero uniti, ma è intralciato dal suo carattere difficile e volatile.
La grande particolarità di questo film è di mostrarci un’infanzia che si vede poco, ma è incredibilmente vera sul piano onirico. Come ci hanno insegnato Sant’Agostino e W. Golding, i bambini non sono angioletti candidi e Dave Eggers, promettente giovane scrittore, ce ne dipinge l’immaginario feroce. Feroce è la gioia nell’infanzia, l’ira è feroce, feroce il disincanto. Scenari euripidei si nascondono nella fantasia degli infanti: giurerei che lì dove manchino, abbiamo buone ragioni di temere per un’età adulta problematica, non forgiata dal sottile orrore del sogno del fanciullo.
Quanto ai difetti, non si può nascondere che il film manchi di ritmo cinematografico, essendo troppo legato ad una cadenza da scrittura, e scrittura sperimentale; la colonna sonora è piuttosto debole, gli effetti speciali casalinghi. Vale una visione ma non una seconda.

Neverland

2011-09-04T12:58:00.000-07:00

James Barrie è un autore che gli adulti superbamente spesso ignorano, nonostante l’imperituro merito di aver trasformato i giardini di Kensington nel domicilio terrestre di Peter Pan.
In questo film poetico e malinconico lo scrittore è ritratto proprio nel periodo antecedente la creazione dell’Eterno Bambino, quando conobbe al parco la vedova Sylvia Llewelyn Davies e i suoi spendidi quattro figli, in particolare il più piccolo e arguto, ancora scossi dalla morte del padre.
La profonda tristezza di Peter, fanciullo per sempre, capace di adoperare la magia e amico delle fate, ma condannato a dimenticare le persone che lo hanno amato, si intravvede in questa bella rappresentazione di James e dei suoi disastri familiari. Perché, come giustamente sottolinea il cadetto dei Davies, James e Peter Pan sono la stessa persona.

Ottimo lavoro di Forster, con due splendidi attori (K. Winslet e J. Depp) e caratteristi di prim'ordine (J. Christie, D. Hoffman), lascia il segno.

Hyperversum

2011-09-03T08:41:00.000-07:00

Vi piacciono i giochi di ruolo, i libri fantasy, i manga delle CLAMP (Rayearth, per citerne uno)? Allora questo libro sarà un gradevolissimo passatempo.

Sei amici si ritrovano a giocare con la consolle di Hyper Universum, un sistema che permette di ricreare in 3-D la realtà virtuale scelta dai partecipanti. A causa di un guasto, però, i sei capitombolano in carne e ossa, con le loro poche conoscenze, nel vero Medioevo, fatto di cotte di maglia e intrighi politici, all'alba di una fondamentale battaglia della storia europea. Qualcuno avrà difficoltà di adattamento, altri meno: c'è persino chi tesserà delle storie d'amore...

Il finale esplicita la possibilità di un sequel, che in effetti è già in libreria ormai da un po', accanto-del resto- al terzo libro della serie.

La Randall, pseudonimo dell'italianissima Cecilia Randazzo, pur mantenendosi a debita distanza dal genio di autori quali Pullman o JKR, si produce in una prosa piana e decorosa, risparmiandoci l'orrendo lavoro di tanti traduttori frettolosi imppiegati ormai a dozzine per opere spesso ritenute di genere (e il fantasy, si sa, in questo senso è particolarmente bistrattato).

Grazioso, perfetto per l'ombrellone o la metro mattutina.

9

2011-08-27T10:50:00.000-07:00

Cartone animato atipico, girato in slow-motion a basso budget, narra la vicenda di strani esseri di stoffa sopravvissuti al tramonto dell'umanità.

L'ultimo a sorgere tra questi, in una strana camera piena di fogli di appunti, è un tenero omuncolo con un 9 dipinto sulla schiena, che presto incontra i suoi fratelli, riparati in una chiesa. Vivono infatti come sotto assedio, in un mondo in cui gli umani sono estinti, il sole è stato oscurato da gas mefitici e la poca luce presente deriva dall'elettricità presente nell'aria. Le macchine con intelligenza artificiale hanno ucciso ogni forma di vita, e sono ormai quasi scomparse: ne rimane solo una, somigliante ad un cane, che dà loro la caccia spietatamente e cerca -e trova, grazie a 9- un chip utile a far ripartire la macchina originaria.

La trama è intelligente, ma non sconvolgente. Le vere virtù del film sono la squisita delicatezza di sentire dei nove pupazzetti, che riassumono le complesse sfaccettature di un'anima, e l'ambientazione post-atomica piena di bagliori oscuri e ombre crepuscolari. Finale apparentemente ottimista... rischia di strapparvi una lacrimuccia.

Piovuto dal cielo

2011-08-23T12:59:00.000-07:00

Danny è un sognatore fidanzato con un arrivista, Trudy: è sempre un pessimo abbinamento. Quando lui scopre le infedeltà di lei e le sue piccole e grandi bugie, l’abbandona durante un barbecue a bordo di una sdraio su cui ha legato dei palloni gonfi di elio e atterra nel giardino di Glenda, un vigile urbano timida e ingessata.
Poiché quest’ultima ha il volto Preraffaelita di Miranda Otto, trovo alquanto strano che la gente della sua città sia abituata a considerarla una zitella senza possibilità romantiche, ma tant’è. Forse è vero che l’Australia è l’ultima terra delle meraviglie. Danny, sotto mentite spoglie, inizia una nuova vita nella cittadina di Clarence, dove ispira campagne elettorali e corsi di disegno, mentre Trudy tenta la scalata al successo come quasi-vedova inconsolabile ad alto potenziale mediatico, accompagnata da un orribile, mascellone, viscido cronista.
D’accordo, mi sono consegnata alla commedia sentimentale di poco peso, ma che male c’è? È divertente! E il cinema australiano mostra di avere buone carte da giocare anche su questo territorio, benché questo particolare esemplare non brilli per ritmo o per sorprese finali. Ah, un’ultima curiosità: il film è ispirato ad una storia vera, è esistito davvero qualcuno matto abbastanza per involarsi a bordo di una spiaggina aerostatica.

Norvegian Wood

2011-08-20T10:47:00.000-07:00

C'è stato un tempo, non molto lontano e che ancora estende le sue propaggini alla contemporaneità, in cui il suicidio giovanile era una delle grandi piaghe del Giappone, paese che in pochi anni fece un balzo enorme dal retrivo periodo Meiji agli anni della guerra, all'apertura all'Occidente con la conseguente Americanizzazione massiva della fascia d'età più giovane.

Proprio in questi tempi, Watanabe Toru, cresciuto a riso, Dickens e Fitzgerald, procede alla sua dolorosa educazione sentimentale, diviso tra la figura angelicata e fragile di Naoko e quella vivace, curiosa e vitalissima di Midori. A consigliarlo, due comprimari di grande fascino: Reiko, una quarantenne reduce da un lungo viaggio verso la salute mentale, e Nagasawa, giovane cinico ma saggio. Toru, come il giovane Holden, ha orrore di tutto ciò che è ipocrita e phony, facilmente integrato nella società: si sforza quotidianamente di essere onesto con chiunque lo circondi, a prezzo di grandi rinunce.

E' stato incredibilmente facile per me immedesimarsi nei suoi dubbi, nella sua quasi-frontalità, nel desiderio di vivere, nonostante le enromi differenze di carattere che mi separano da un ragazzo dei Seventies di Tokio. Anche a me piace stirare e osservare come un cencio grinzoso ritrovi la sua dignità di abito, per esempio, e se questo vi sembra un dettaglio marginale dell'esistenza, forse questo libro non fa per voi.

Murakami sa descrivere con maestria quella orribile, straniante sensazione che acompagna la prematura morta di una persona vicina: quando per la prima volta l'ho conosciuta avevo tredici anni e la donna che aveva rincorso e raggiunto la sua fine era più una conoscente che un'amica, ma l'assurda realtà del suo permanere eternamente sospesa nella mezza età, innaturalmente interrotta, mentre tutti noi faticosamente procedevamo lungo il naturale cammino, mi comunicò l'impressione che la realtà circostante avesse fatto un balzo in avanti costringendoci a rimanere immobili ad osservare uno strano enigma, un fermaglio a forma di farfalla che brilla nell'ombra.

Trainspotting

2011-08-18T09:55:00.000-07:00

Il Trainspotting del titolo si riferisce all'oziosa attività di osservare i treni in corsa, senza salirvi. Così i personaggi di questo dramma grottesco affrontano la loro esistenza: vegetano ai margini di una società disprezzata che sbirciano tra le nebbie dell'eroina, rifiutano la Vita e le derise costrizioni del mondo occidentale, visto come un castello di mutui a tasso fisso, rate della macchina, moglie-amante-figlioli ignorati.

Mark e i suoi amici, SickBoy, Spud, Tommy e Bagbie passano da una disintossicazione all'altra, ma il desiderio implacabile di obnubilamento li perseguita, disumanizzandoli. Sopravvivono tra furti, frodi e razzie in casa, destreggiandosi tra relazioni fallimentari e incontri sessuali a rischio, proprio negli anni di massima diffusione dell'HIV.

Una via d'uscita forse è possibile, ma la critica di D. Boyle alla nostra struttura societaria è abbastanza feroce da mettere in dubbio che il rientro nella Vita, come intesa dall'uomo medio di fine Novecento, sia una soluzione -o almeno un argine- alla totale disgregazione dell'Essere. Grande interpretazione di Ewan McGregor.

I Miserabili

2011-08-17T12:55:00.000-07:00

Che libro meraviglioso. Un vero romanzo. Romanzo è innanzitutto quello Romantico, Ottocentesco, che oltre ad una visione filosofica presenta soprattutto dei personaggi in una trama solida e avvincente, che si fonde nella Storia. Come l'Italia ha avuto Manzoni, l'Inghilterra Scott e la Russia Tolstoj, la Francia ha avuto Hugo.

Jean Valjean è appena uscito di galera e nessuno lo accoglie, se non un santo, il Vescovo Myriel, che per la prima volta dopo tanto tempo gli riserva la dignità di essere umano e lo costringe a mettere in discussione il concetto di coscienza. Risvegliatosi alla vita della giustizia, crea un piccolo impero operoso sotto lo pseudonimo di M. Madeleine e riceve la preghiera di Fantine, una ragazza madre, di occuparsi di Cosette, la bambina di lei. Allo stesso tempo, però, il solerte poliziotto Javert lo riconosce e ritarda i suoi piani. Quando Jean Valjean riesce ad evadere nuovamente dalla carcerazione autoinflittasi per salvare la vita di un innocente, in una delle scene più poetiche della storia della Letteratura, incontra Cosette e la salva da una vita di stenti e di umiliazioni, come la conduceva presso gli odiosi Thenardier.

La storia è ancora molto lunga, e riunisce Marius, l'avvocato barone bohémien più romantico e più sciocco e più adorabile del mondo, Eponine, la ragazza di strada con un cuore nero ma pulsante, Gavroche, il folletto dal cuore puro, Enjolras, il patriota amante della Patria, tutti legati da un unico filo conduttore che è il desiderio di Hugo di creare un enorme affresco a tesi in cui esporre la sua idea politica e riassumere la sua visione del mondo suo coevo.

Il progresso, anche tecnologico, secondo lo scrittore -in una poetica che ricorda molto Tolstoj- salverà l'uomo portandolo per mano -e per gradi- verso un futuro radioso dove trionferanno gli ideali della Rivoluzione, non più adombrati dalla violenza e dalla durezza; l'istruzione obbligatoria e di massa porrà infine termine al delitto, perché esso proviene anzitutto dall'ignoranza.

Il valore storico dell'opera è incalcolabile, zeppo com'è di digressioni storiche (dalla battaglia di Waterloo ai moti del Trentadue, passando per il regno di Orleans), architettoniche (i dedali di Parigi, e le sue fogne), religiose (la vita del vescovo da un lato, piena di restrizioni volontarie ma anche di buonsenso e bonomia, il convento di clausura con la fede cieca che sfocia nel grottesco dall'altro) e le armi, e i bambini di città (i Gamins) i forzati, gli studenti...

Se questo capolavoro ha un difetto è forse un eccesso di divagazioni, poste spesso a interruzione di un passaggio denso di pathos. Infatti Hugo è maestro nel creare brani di incomparabile tensione, in cui i personaggi assumono una vera tridimensione e accompagnano i sogni dei lettori per molto tempo: mi sembra di vedere gli occhi penetranti del vescovo che dice a Jean "Ho comprato la tua anima per Dio", o di sentire l'ex forzato mentre cerca di uscire da una tomba come la Sposa di Kill Bill, o ancora di avvertire la pelle d'oca in risposta alla pericolosità dei Thénardier che si avvoltolano come aspidi in un cesto di colombe. Non si può non amare questi miserabili, e i giovani che tentano disperatamente di lasciare tali miserie dietro di loro. Superbo, indimenticabile, grandioso, scritto in una lingua di sublime purezza (ho faticato un po', ma in lingua originale rasenta la perfezione). Vi basta? Se non vi ho convinto, provate per credere.

Scott Pilgrim vs the world

2011-08-16T10:48:00.000-07:00

Toronto. Scott è un geek di 22 anni, assorbito dall'Universo del Videogioco e dalla rock band per cui suona il basso. Nel suo recente passato, una storia d'amore infelice con la cantante di una band rivale; nel suo presente una ragazza adorabile, Knives, che non riesce ad amare, compreso com'è nel suo lutto sentimentale. Lutto che viene bruscamente interrotto dall'arrivo della newyorkese Ramona Flowers, esotica nel colore dei capelli e nel vestire sciatto. Per continuare ad uscire con lei Scott deve affrontare e distruggere i suoi sette (7!!!) malvagi ex (tra cui una donna: non sono io che moraleggio, è Scott a rimanerne tanto sconvolto) e -forse-capire qualcosa di sé. Ma ripensandoci, magari quest'ultimo achievement non è poi così essenziale.

Ci sono diversi lati positivi in questo film indie: il primo è il cast, con M. Cera (Juno), A. Kendrick (Tra le nuvole e Twilight Saga), M.E. Winstead e K. Culkin. Tutti bravi a reggere le loro parti, per quanto demenziali, e a rendere simpatici i personaggi ironici del film, tra cui spiccano la sorella perfida e il compagno di letto gay di Scott. L'altro lato interessante è l'innovazione grafica e di montaggio del film, a metà tra il fumetto coreano e il videogioco delle origini (con Scott che abborda le ragazze chiedendo loro "tu lo conosci Pacman?" -risposta intelligente: "non di persona").

I problemi -grossi- sono l'assoluta e colpevolmente deliberata assenza di trama, la ripetitività, la mancanza di introspezione, la violenza offensiva dei colori fosforescenti. Abbastanza sconclusionato, decisamente sopravvalutato.

Fare gli Italiani - Officine Grandi Riparazioni

2011-08-15T14:18:00.000-07:00

Abbiamo approfittato della giornata di Ferragosto per fare una passeggiata e cosa scopro? La famosa mostra "Fare gli Italiani-150 anni di storia nazionale" di cui tutti parlano è stata allestita proprio dietro casa mia, alle Officine Grandi Riparazioni.

Accanto alle vecchie carceri e dietro al Politecnico è stato recuperato un enorme fabbricato industriale un tempo adibito alla riparazione delle locomotive e dei vagoni ferroviari. Gli edifici di tal fatta esercitano sempre un grande fascino e il loro riutilizzo a fini divulgativi-artistici è una buona abitudine che viene dal Nord. E' pur vera però la riflessione del mio compagno di avventure: che tristezza pensare che gli impianti produttivi vengono spostati in Polonia e in India e qui utilizziamo le antiche fucine come sala espositiva.

La mostra, un percorso interattivo con pochi reperti ma tanti dati, filmati e suggestioni, è inusuale (almeno per me che non frequento spesso questo genere di allestimenti), interessante e bella. Si sviluppa senza lesinare particolari ed effetti speciali, coprendo l'arco di tempo tra il 1830 e il 2010. La sua unica pecca è di essere un po' troppo sfacciata nella sua manifesta tendenza alla sinistra radicale. Anche senza essere tacciati di Revisionismo, ci si poteva sforzare di essere più clementi con il Fascismo, il Papato e la Democrazia Cristiana, non fosse altro perché -nel bene e nel male- hanno molto contribuito a fare gli Italiani. Comunque la mostra vale davvero la pena di un giro e si merita un Otto e mezzo. Felliniano.

In biglietteria ci hanno offerto, allo stesso prezzo del biglietto singolo in quanto possessori di carta Fnac, l'estensione alle altre due mostre presenti, "Stazione Futuro" e "Il futuro nelle mani": mai visto niente di più scandalosamente intello e futile. Intello è un epiteto francese che vale praticamente un insulto, e si riferisce a quelle persone che vogliono darsi arie da grandi intellettuali ma normalmente nascondono sotto una arrogante prosopopea un vuoto imbarazzante. Trattasi nel primo caso di percorsi tra mini allestimenti, corredati da qualche aforisma estrapolato da chissà che contesto e un paio di video di un pessimo 3-D, sulle varie declinazioni dello sviluppo futuro. Cosa mangeremo tra dieci anni? Insetti, un sacco di asiatici già lo fa. Come saranno i mobili dei prossimi anni Quaranta? Di carta. Et cetera. Prove a suffragio di queste tendenze: zero. Grafici totalmente privi di senso (p.e. la distribuzione dei dominii internet in Italia: cosa si intende? tempo trascorso su un dominio, inaugurazione dello stesso... e poi, avete spiegato cos'è un dominio? tutti usano la parola, ma dubito che si sappia poi bene cos'è) e musiche irritanti. La seconda mostra satellite è raccolta in una stanza dove i pochi manufatti interessanti sono tutti della stessa officina, e ha tanto l'aria di uno spazio pubblicitario. Se il futuro è davvero così, pieno di idee un po' vaghe ammantate di fumo, temo che siamo seduti per terra...

Old friends and new fancies

2011-08-14T07:26:00.000-07:00

Primo sequel mai scritto dei romanzi di Jane Austen, ha l’indubbio pregio di aprire una strada che nel 1913 ancora nessuno aveva pensato di percorrere, facendolo con humour e buon gusto.
I personaggi più amati dei sei romanzi della cara Jane rivivono tutti insieme per un anno, nel corso del quale si snodano le storie d’amore che il new fancies del titolo preannunciava, assicurando un destino lieto ad alcuni personaggi che avevamo lasciato in una condizione apparentemente sconsolata: non sposati. Infatti, come tutti sanno, fine ultimo della Austen non è moraleggiare e neppure dissacrare, ma far convolare a giuste nozze tutti i suoi beniamini.
Si riconoscono nelle pieghe della trama le preferenze dell’autrice, tal Sybil Brinton di poca fama: in primo piano Elizabeth e Darcy, innamorati come il primo giorno, con due figli e poca pazienza per le imposizioni delle buone maniere ipocrite: in particolare troviamo un Darcy divertentissimo e divertitissimo che, sogghignando con bonomia, commette le peggiori infrazioni all’etichetta sotto l’egida di frasi quali “guarda un po’ come ci comportiamo in famiglia da quando mi sono sposato con Elizabeth”, mentre tutti sanno che lui è molto più sfacciato di lei; viene poi recuperato un personaggio a me molto caro, quella Mary Crawford costretta a fuggire da Mansfield Park per la sua vivacità e cultura: finalmente trova riscatto nella relazione col distinto Colonnello Fitzwilliam; alla fine di Orgoglio e Pregiudizio lasciavamo infine due giovanette, Georgiana e Kitty, ancora da maritare, offrendo all’autrice e ai lettori un gran divertimento nell’individuare un buon partito tra i celibi delle altre storie. Alcuni altri comprimari sono invece lasciati molto in disparte, come Marianne Brandon, Miss Bingley –per cui speravamo di trovare un pretendente- ed Emma, che evidentemente non gode delle simpatie della scrittrice.
Nel complesso una lettura da non perdere, piena di acume e di ironia, ma disponibile solo in lingua originale (si trova facilmente anche su Amazon e siti analoghi).

Amarcord

2011-08-13T10:07:00.000-07:00

Affresco della Rimini degli anni Trenta, come Fellini lo ricorda: Amarcord, appunto, ovvero a’m’arcord, io mi ricordo.
Il particolare di una famiglia della piccola borghesia, industriosa e tirchietta, circondata dal fascismo, ci affascina per l’affetto che trasuda: la mamma piena di buon senso e generosità, il papà lavoratore e anarchico, lo zio materno ancora celibe, quello paterno matto, che approfitta dei permessi del manicomio per salire sugli alberi a gridare “Voglio una donnaaa!!!”, il nonno nostalgico delle sue donne e i ragazzi nell’età della monomania sessuale.
Fano da contorno a questo nucleo tutta una serie di personaggi memorabili, dalla Gradisca al matto, al venditore ambulante, alla tabaccaia oversize, al parroco, ai professori monolitici, che si alternano in scene entrate ormai a far parte dell’immaginario collettivo.
Divertente e malinconico, come la sua colonna sonora, firmata Rota. Però l’onirismo e l’assurdo di 8 ½ non si toccano, rimangono dei vertici insuperati da questo film a colori. Fellini mi piace di più in bianco e nero, forse perché il bicolore integrale è sempre più elegante.

Vizi di famiglia

2011-08-12T12:06:00.000-07:00

E se dietro la trama de Il Laureato ci fosse una vera, scombinata, famiglia di Pasadena? Alla vigilia delle nozze della sorella, Sarah Huttinger (J.Aniston) scopre che sua nonna (S.McLaine) è la famigerata Mrs Robinson interpretata da Anne Bancroft e che sua mamma è fuggita poco prima delle nozze per trascorrere un weekend di fuoco con l’alter ego di Dustin Hoffman. Considerate le scarse somiglianze con il resto della famiglia, Sarah vola a conoscere Beau, il vero Laureato, dalle fascinose fattezze (K.Costner) e immense fortune, convinta che sia il suo vero padre; Beau però è sterile, ciò che non gli impedisce di trascorrere la notte con la terza generazione di donne Robinson. Risolto il dubbio sulla propria ascendenza, Sarah deve decidere cosa fare della sua vita sentimentale: seguire un uomo maturo ma non troppo, sposare l’affidabile fidanzato Jeff, o sopravvivere alla perdita di entrambi. Se il film di Nichols mi aveva un po’ deluso, forse a causa delle grandi aspettative che crea, e soprattutto irritato (vedi post al riguardo), mi posso dire abbastanza soddisfatta di questa commediola senza troppe pretese che riesce comunque ad essere spassosa, grazie a dei buoni protagonisti –Mrs Robinson in testa– e ad un ottima colonna sonora piena di citazioni (Il Laureato, Il Buono, il Brutto e il Cattivo, Casablanca…). Mi ha trovato molto d’accordo la nonna che esclama tutta la sua stizza in merito alla responsabilità di Beau/Ben, così tralasciata da film e libro: possibile che in tutti questi anni nessuno abbia notato che il “povero ragazzo sedotto” è solo uno scellerato guidato dalle sue voglie sessuali? Era ora che qualcuno lo dicesse!

Crotone

2011-08-11T13:34:00.000-07:00

Città antichissima, è purtroppo tristemente ignorata dal turismo, un po’ come la regione in cui si trova. La scarsa organizzazione delle infrastrutture e la pressoché nulla valorizzazione dei reperti artistici e storici della Calabria le precludono l’importante ruolo di centro culturale che le spetterebbe.
Ciononostante bisogna riconoscere che il centro storico della città, sede di antiche case nobiliari arroccate sulla collina che sovrasta il mare, sta compiendo passi enormi sulla strada della riqualificazione, se non della pubblicizzazione, e merita davvero una visita estiva.
Si parte da piazza Pitagora, cuore pulsante dell’area Settecentesca, che con la sua geometria irregolare ci apre tanti possibili itinerari: verso Sud il portico ove quotidianamente si nasconde il mercato; a Ovest il quadrilatero dei negozi; a Nord la gelateria preferita dalla mia famiglia (La Siciliana, da provare il gelato nella brioche di pan di spagna) e la via che conduce al Liceo Pitagora; a Est infine il Duomo e, dietro, il dedalo di stradine della città vecchia. In cima a essa il Castello Aragonese, la cui maggiore particolarità è di circondare la sommità del promontorio, piuttosto che svettare in cima alla sua altura, assumendo così una struttura concentrica.
Da non mancare nella zona storica: le mura del castello, lato città, trasformate in abitazioni civili comprensive di parrocchia, il parco della Villa Comunale, la Chiesa e il Convento di S. Chiara.
E se dopo la visita vi fosse venuta fame, costeggiate il liceo classico lungo Via Umberto Primo fino a svoltare a destra in Viale Regina Margherita. Girate nuovamente a destra nella seconda minuscola traversa, Vico Orfeo: al numero 8 troverete uno dei miei ristoranti preferiti, La Pignata (chiuso la domenica), dove mangerete del pesce meraviglioso. Assolutamente da non perdere l’antipasto di mare, che prevede circa quindici portate squisite tra cui seppie marinate al limone, gamberetti crudi, gamberi al vapore in salsa rosa maison, frittelle di cernia e radicchio, frittelle di verza e sarde, polpettine di alici e zucchine, di merluzzo, scampi gratinati, gamberoni alla piastra, seppioline arriganate (ovvero con l’origano), insalata di polpo, cozze con le melanzane e altro ancora. Per secondo è di rigore la frittura di paranza: io la sogno per tutto l’inverno. Il locale è piuttosto piccolo, e conviene prenotare al numero 334.3340993. Non resterete delusi.

S1m0ne

2011-08-10T13:17:00.000-07:00

Al Pacino, produttore holliwoodiano in declino, non riesce a piegare la sua musa ai suoi voleri (Natalie Portman) e decide, grazie al lascito di un genio folle, di crearsene una a sua immagine e somiglianza: S1m0ne, bionda esplosiva figlia del sistema binario. Naturalmente S1m0ne è l’attrice con la vita privata più privata al mondo, e relazioni sociali ridotte all’osso… dal momento che esiste e parla solo tramite il suo Pigmalione, che –finalmente-raggiunge la gloria; moglie e figlia all’inizio sono scettiche, poi temono la figura della bionda ambita e di estremo successo, e infine scoprono l’incredibile verità. Dopo l’iniziale, brevissimo smarrimento mostrano una reattività e un’adattabilità molto superiore a quella del protagonista, che per l’ultima ed ennesima volta viene salvato dalle sue donne, sia in carne ed ossa, sia virtuale.
Attacco interessante alla società dell’immagine, va poco oltre la tesi iniziale, senza svilupparsi in un progetto davvero graffiante. Al Pacino vale sempre una serata, ma S1m0ne non è certo la sua prova più emozionante, benché ci offra un paio di momenti divertenti di simulata schizofrenia.

Basquiat

2011-08-09T13:47:00.000-07:00

Un bambino si commuove davanti a Guernica di Picasso e in quell’istante si decide la sua carriera di pittore. Nessuna meraviglia che un bambino folgorato da tal opera sia morto a soli ventisette anni per overdose.
Jean-Michel Basquiat è uno di quei rari artisti molto amati in vita, come sottolinea con ironia il regista: ogni epoca ormai vive nell’incubo di maltrattare il nuovo VanGogh ed essere additata per questo nei secoli a venire. Primo pittore nero di successo, ha cavalcato l’acme della pop art, coccolato da Andy Warhol e osannato dalla critica.
Il film è piuttosto discontinuo nel ritmo e tende all’agiografia di un personaggio che, secondo le cronache dell’epoca, era molto meno poetico e più violento di quello che la sceneggiatura vuole mostrare; tale santificazione suona particolarmente falsa alla luce dei rapporti deteriorati esistenti tra il pittore maudit e il regista, anch’egli pittore, J. Schnabel. Al contempo però si giova di un’ottima colonna sonora, piena di brio e di invenzioni jazz-rock-operistiche, e di un cast formidabile: J. Wright nei panni dell’artista, D. Bowie in un ottimo Warhol e tantissimi illustri anche nei ruoli minori: B. Del Toro, G. Oldman, D. Hopper, C. Love, C. Walken, W. Defoe, T. O’Neal e metà della famiglia Schnabel.
Da vedere? Non è essenziale, ma è gradevole.

Zatoichi

2011-08-08T13:01:00.000-07:00

Un massaggiatore cieco si aggira per il Giappone feudale con un curioso bastone, una pregiata katana. E' Zatoichi, il leggendario maestro di scherma che non teme rivali. Giunge infine in un villaggio contadino dove fa da trait d'union per le storie che vi si snodano: un ronin costretto a impieghi umilianti per pagare le medicine della moglie inferma, due geishe in cerca di vendetta, una taverna sempre affollata nonostante un pessimo sakè, una vedova contadina schiacciata dal "pizzo" sempre più esoso della gang locale.

Interessante e coinvolgente racconto di cappa e katana, condito da musiche gradevoli ancorché non favolose, vanta una trama originale piena di trovate e diverse sequenze da antologia, prime fra tutti i combattimenti e le coreografie danzate. Lo stile grafico delle scene di lotta si situa a metà tra lo splatter tarantiniano e le tavole dei manga di area samurai (come Vagabond); tutto il film è cosparso di citazioni cinematografiche, probabilmente molto oltre le mie capacità di ricognizione, ma il suo maggior pregio è di essere davvero divertente.

Womanity - Thierry Mugler

2011-08-07T10:37:00.000-07:00

Mugler costruisce con arte profumi pressoché sperimentali, forse poco adatti alla grande distribuzione ma estremamente interessanti e sconcertanti.

Womanity si apre con le dolci e accoglienti note del fico, subito seguite dal cuore aggressivo, pieno di punte e tutto salato, del caviale.

Curiosamente fredda, questa fragranza non evoca tradizionali frescure fiorite ma suggerisce immagini di licheni ghiacciati e altere dee del Baltico, complice anche una confezione che mescola l'eleganza minimalista del flacone con il barocco barbaro della chiusura, dominata da un enigmatico viso di donna in metallo e dalla catena che trattiene il copritappo.

Nonostante sia difficilmente fruibile e quasi disturbante nella sua sensualità sfacciata e nella sua algida onestà, non esito a definirlo sorprendente.

Vallanzasca

2011-07-24T12:49:00.000-07:00

Ascesa e dubbie fortune di uno dei più famosi briganti della Milano degli anni Settanta-Ottanta. Renato Vallanzasca è un uomo affascinante, desideroso di ricchezza, che inizia la sua carriera da malfattore come rapinatore di banche, insieme ad un gruppo di compagni. Ha uno spiccato lato “gentiluomo”, di norma nessuno muore nelle rapine organizzate da lui, finché il lato violento dell’epoca non prevale, e il sangue comincia a scorrere insieme alla sete di potere e al sogno di prevalere sulle altre bande locali dell’epoca. Iniziano così i primi incontri-scontri con Francis Faccia D’Angelo Turatello, le sparatorie contro le forze dell’ordine, i rapimenti a scopo di riscatto (con un curioso penchant per il benessere dell’“ospite”), la galera, le evasioni. Proprio in prigione Francis e Renato stringono una curiosa alleanza, sancita dal matrimonio di Vallanzasca, cui Francesco fa da testimone.
Il film non è male, ha il suo maggior pregio nell’ottimo senso del ritmo, e vanta un cast solido tra cui spicca Kim Rossi Stuart, ancora bello e sempre più bravo; rispetto al grande noir del decennio, Romanzo Criminale, siamo però su un gradino decisamente inferiore, sia per sceneggiatura che per regia. Molti hanno accusato il regista Michele Placido di compiacimento nel rendere eccessivamente simpatico il protagonista, ma trovo che questo malandrino susciti più pietà che emulazione, con i suoi deliri di autogiustificazione riassunti in quella battuta un po’ troppo à la Anakin Skywalker, io non sono cattivo, è che ho un lato oscuro un po' pronunciato...

Radio America

2011-07-11T12:39:00.000-07:00

L’ultimo film di Altman racconta dell’ultimo giorno di un’emittente radiofonica tra le più importanti d'America. Tutto lo staff di attori, cantanti, registi, segretarie si unisce in un canto corale sulla morte, un canto del cigno dolce e rassegnato, delicato e stanco.

Ognuno porta la sua storia, grande o piccola, sempre con dignità, all’attenzione del pubblico che voglia ascoltarla, ma non può nascondersi agli occhi della misteriosa, bellissima signora di bianco vestita che si aggira per il set, né posticipare questo incontro così temuto.
Quest’ultimo affresco commovente, composito e in fondo gioioso, ci mostra una Morte consolatrice, poco aggressiva, antitetica rispetto alle signore in nero e marrone di Visconti.

In Radio America uno stuolo di caratteristi americani ci mostra la vera grandezza dell’arte attoriale statunitense, che prevede una formazione a tutto tondo come da noi non si può ancora neppure sognare.

Meravigliosa Meril Streep, che canta bene quasi come recita; un plauso particolare va poi alla coppia di cowboy che canta canzonacce sconce improvvisate, facendosi sganasciare dalle risate. Fotografia lussuosa, con una nota malinconica custodita nei toni del tabacco.

Otto e Mezzo

2011-07-10T05:26:00.000-07:00

Incredibilmente e vergognosamente tardi faccio conoscenza con Fellini e comincio con 8 ½, il suo ottavo film (più un “mezzo”, in condivisione), in cui uno stanco e nauseato regista tenta di dirigere un film, circondato da una pletora di attori, amici e conoscenti.
Di cosa parla il film? Forse non lo sa neanche il regista. Magari parla della sua vita, scandagliata non tanto nei meri fatti, quanto nei suoi ricordi d’infanzia e nelle sue attuali elucubrazioni, filmate come un flusso di coscienza cinematografico. Si è detto spesso che 8 ½ sembra una seduta psicanalitica, e mi sembra che indaghi tra gli altri alcuni nodi cruciali che la società degli anni Sessanta si trovava ad affrontare:
1. il rapporto con il Divino, mediato da una Chiesa Cattolica che non sembrava sempre all’altezza del compito, occupata com’era a definire i suoi rapporti con la politica e a guidare le coscienze usando come guinzaglio il senso di colpa (permettetemi di citare la poco dotta Steph Plum: “quando ricevi un’educazione cattolica, il senso di colpa rimane anche dopo che se n’è andata la fede”. Purtroppo è stato così per molti…). Per tanti versi sembrava più efficace affidarsi all'occultismo, che almeno pffre una percezione intuitiva dell'Asa NIsi MAsa;
2. il peso delle aspettative degli ALTRI: genitori, amici, commendatore, produttore, moglie, amante, tutti hanno delle aspettative tradite su cui recriminare;
3. le relazioni con le donne: il senso di possesso, il delirante desiderio di autoaffermazione su una teoria di figure sottomesse, il rispetto per l’unica donna che non diviene oggetto sessuale (R.Falk), la sublimazione di fanciulle inesistenti, fatte della materia di cui sono fatti i sogni.
Questa moltitudine di elementi si accavalla nel susseguirsi di scene”reali” e oniriche, le prime caratterizzate più spesso da brume buie e atmosfere notturne, le seconde invece sorprendentemente più placide e luminose, piene di vestiti bianchi e ariosi.
Mastroianni, Milo, Aimée, Cardinale, Falk e anche i più piccoli comprimari sono pressoché perfetti, ma la perla definitiva di questo capolavoro entusiasmante è la colonna sonora di Nino Rota, una marcia da circo orchestrata in Modo Minore, in modo da apparire cinica e malinconica, ironica e terribile.

Mademoiselle Coco

2011-07-09T04:18:00.001-07:00

La naturale contrapposizione a Miss Dior Chérie è Mademoiselle Coco, nato in casa Chanel ormai dieci anni or sono per il pubblico più giovane e fresco.

Note di testa agrumate, con arancia e bergamotto, si stemperano presto nelle note medie di rosa, gelsomino, ylang-ylang e nelle basi più dolci e persistenti di vaniglia e patchouli.

Mademoiselle riesce nel raro intento di sembrare allo stesso tempo innocente e sensuale, ma pecca forse un po' nel mescolare troppe essenze diverse, creando un jus non facilissimo da adattare a sé e da identificare.

Anche in questo caso gli spot pubblicitari sono squisiti e più che blasonati, da quelli più datati, con Nicole Kidman fresca di Moulin Rouge!, agli ultimi con Keira Knightley, diretta dal regista di Espiazione e Orgoglio e Pregiudizio, Joe Wright, che la ritrae in una tutina di Lagerfeld dello stesso colore del profumo, sulle note di This is a man's man's man's world cantata da Joss Stone.

I Cinepatici

2011-07-08T13:07:00.001-07:00

Rieccomi Signorina Buonasera, o, meglio,Signorina Buonmattino.

Su Coming Soon Television, che ormai tutti in Italia credo riceviamo tramite digitale terrestre, dalle 07:00 alle 08:00 è stato inserito in palinsesto un programma di cultura cinematografica grazioso, divertente e scevro da quella odiosa spocchia pseudointellettuale che condisce tanti inserti di questo tipo.

Durante la puntata de I Cinepatici -così si chiama!- ogni mattina viene ripercorsa la filmografia di un regista, o si discute di alcuni temi cinematografici più generali, con qualche addetto ai lavori che trasmette la sua passione in linguaggio adeguato alla popolazione generale, regalandoci quache curiosità o qualche spunto di riflessione.

Nelle ultime puntate: Kubrick, Nolan, Fincher, Il cinema politico attrae ancora i giovani?

Io lo guardo facendo colazione e preparandomi mentalmente alle successive dieci ore di frullatore ospedaliero, e trovo che sia un gran bel modo di cominciare la giornata.

Memento

2011-07-06T12:38:00.000-07:00

Nella prima scena del film il protagonista, Leonard, uccide un uomo colpevole di aver stuprato e ucciso sua moglie. Questo assassinio è frutto di grandi fatiche, perché Lenny è affetto da amnesia anterograda (malamente tradotto con "deficit della memoria a breve termine" nella versione italiana) e non può più assimilare nuove informazioni. Ogni passo del processo mentale necessario all'indagine e alla programmazione della vendetta deve essere tatuato sul suo corpo o documentato da polaroid annotate.

Il racconto procede su due piani temporali distinti anche graficamente: una fase più recente, a colori, che narra della ricerca dell'assassino, e una in bianco e nero, che racconta la storia di Sammy, un uomo seguito da Leonard prima del trauma e che aveva riportato un danno simile al suo, ma su base psicogena. Anche la moglie di Sammy morì, uccisa dall'inconsapevole marito e dal rifiuto di accettarlo col suo nuovo, estremamente invalidante, deficit. Ulteriore particolarità del complesso montaggio: le sequenze in bianco e nero sono presentate in ordine cronologico, alternate a quelle a colori che -però- vediamo in ordine inverso! (per capirci, se le prime si possono numerare 1-2-3... e le seconde A-B-C..., vediamo: Z-1-V-2-U-3-etc)

Nolan è un folle, e forse un genio. Undici anni fa questo film è stato probabilmente una piccola rivoluzione e sicuramente un gioiello del genere thriller, contenente già il germe del successivo Inception. Guy Pearce e Carrie Ann Moss non sono straordinari, ma funzionali all'incredibile congegno ad olorogeria che nel climax finale osserviamo scoppiare sotto il nostro naso. Volete sapere come va a finire? E io non ve lo dico!

La cosa ai miei occhi più incredibile è la grande cura nel ricostruire un quadro neurologico precisissimo che forse i non addetti ai lavori non colgono in tutte le sue sfumature. Lenny è proprio come il famoso paziente H.M. descritto da Sacks, Ramachandran e, prima ancora, da Scoville, con una lesione bilaterale degli ippocampi: la memoria precedente al trauma è intonsa (poiché "conservata" nella corteccia illesa), ma la long term potentiation che ha luogo nell'Ippocampo e permette di trasformare un fatto in un ricordo non può più essere attiva, perciò nulla di nuovo si può fissare, fatti salvi quei percorsi mnemonici non coscienti, che probabilmente sfruttano le memorie di lavoro (per esempio cerebellari), ed ecco spiegato in termini semplicistici il condizionamento. Aver tradotto questi concetti in modo così elementare, mostrando tutti gli stratagemmi che i veri amnesici -anche corticali- sfruttano per sopravvivere, è forse l'elemento più geniale e innovativo del film e la ragione del suo grande successo.

In amore niente regole

2011-07-04T11:08:00.000-07:00

Doodge è il capitano di una piccola e scalcagnata squadra di football, gioco che a cavallo tra le due guerre inizia ad avere visibilità e successo; il team sembra trovare un nuovo impulso dal giovane Carter, buon giocatore noto alla folla come eroe di guerra. Ciò che il pubblico ignora è che l'atto eroico per cui è diventato famoso non è mai accaduto, ma una giornalista inviata a curiosare sulla nuova stella lo scopre, dopo aver fatto invaghire di sé entrambi i giocatori.

Tutto giocato sul battibecco, il film si inserisce nel filone della commedia sentimentale sofisticata, ma, senza tradire i valori patriottici di lealtà e amicizia, aspira anche a una critica alle crepe della democrazia americana. George Clooney è un regista interessante, oltre che un attore bello e gigione, e Renée Zellweger è un'ottima attrice con delle gambe perfette; qualche scena merita un plauso per umorismo e fattura (su tutte la rissa nel bar clandestino -siamo in pieno Proibizionismo- che termina con tutti i partecipanti amici, picchiati e felici, con un bel bicchiere di birra in mano). Perché allora In amore niente regole non mi ha convinto fino in fondo?

Disturbi cerebellari

2011-07-03T07:05:00.000-07:00

Per la nota serie "Fare lo specializzando significa lavorare in Scrubs, non in Grey's Anatomy", pubblico qui un paio di idee graziosissime ed esemplificative sui disturbi cerebellari (si ringrazia il dott. Alberto R.): vedete qui sopra una dubbia atassia del tronco, con lateropulsione a sinistra. Proseguiamo con l'esame.

Prova Indice-Naso, per la verifica della funzione cerebellare, prevalentemente emisferica: si chiede all'esaminato di toccarsi il naso con la punta del dito, con movimenti ampi, ripetitivi e il più possibile precisi.

Osserviamo, direi, un freinage teleocinetico!! Guardate come Maga Magò si osserva il dito, per dirigerlo meglio... un'atassia sensitiva?
Prova delle lampadine: si chiede di formare una coppetta con le mani e ruotarle, come per avvitare delle lampadine. Un esempio di adiadococinesia destra.

Si tiene a precisare che si tratta qui di post del tutto scherzoso e senza alcun reale fine esplicativo.

Perdonateci per aver usato, in ogni caso con grande affetto e nostalgia, uno dei personaggi più simpatici de La spada nella roccia per sdrammatizzare un po' i turni di guardia di questa estate così calda.

Rio

2011-06-28T10:46:00.000-07:00

L'ultimo esemplare maschio di Macao Blu, un meraviglioso pappagallo brasiliano, è stato rapito al suo habitat e per una serie di coincidenze -non saprei dire quanto fortunate- abita con una libraia pantofolaia che l'ha viziato-addomesticato-umanizzato ma non si è mai preoccupata che imparasse a volare. Un ornitologo che ha notato Blu vorrebbe condurlo da una femmina della sua specie, Gioiel, per scongiurarne l'estinzione, e -prevedibilmente- dopo qalche titubanza padrona e volatile accettano. Altrettanto prevedibilmente i cattivi bracconieri catturano la coppia di piccioncini -ops, pappagalli-: dopo tante traversie, che includono qualche lezione di volo per Blu, la nostra doppia coppia umani/uccelli può vivere felice e contenta.

I punti di forza del film stanno nella bella grafica e negli splendidi colori, che sono però tristemente sopravanzati da una trama banale, personaggi piatti e, per quel che attiene agli umani, disegnati con un tratto rozzo (paragonabile per stile a quello di Piovono Polpette). La colonna sonora, tradizionalmente cavallo di battaglia del cartoon per famiglie, mi ha notevolmente deluso. Mi dispiace, ma anche io, come Blu, trovo che la Samba sia tutta uguale: almeno, quella impiegata in Rio...

Amore e altri rimedi

2011-06-27T10:31:00.000-07:00

Ancora un film di ambientazione medica, e in questo caso neurologica. Penserete che sono ossessionata dalla vita ospedaliera, e forse è così, ma il film sentimentale in esame valeva la pena di una visione.

Jamie è un donnaiolo inconcludente che viene assunto dalla Pfizer (colosso farmaceutico che produce tra gli altri Zoloft, Cymbalta, Xeristar, Relpax, Lyrica, Aggrenox e moltissimo altro, solo fare qualche nome) per scalzare il Prozac dalla posizione lungamente difesa di farmaco più prescritto in America e, oserei dire, nel mondo [riflessione emisferica destra... avete capito bene: farmaco, non psicofarmaco; l'antidepressivo per eccellenza è usato dei più comuni farmaci per l'ipertensione o il diabete]. Il nostro Man on a Mission incontra sulla sua strada Maggie, un raro esempio di paziente con Parkinson ad esordio giovanile, ma anche ragazza bella, disponibile e poco incline ai legami duraturi. La vera svolta della carriera di Jamie arriva con il lancio del Viagra, la nuova pillola della felicità, pronta a sconvolgere tanti equilibri.

La storia d'amore è decisamente prevedibile, ancorché gradevole, ma il lato più interessante della pellicola è la descrizione velatamente critica del sistema farmaceutico americano: il wild wild west al confronto era un luogo pacifico e ordinato. Avevo l'impressione che già alle nostre latitudini i grossi nomi dell'industria si dilaniassero senza risparmio per piazzare i loro prodotti, ma sembra che Oltreoceano la realtà abbia superato la fantasia -metto condizionali dappertutto perché, come ho già detto altrove, non conosco l'America sanitaria di prima mano; mi sembra però che la nostra Sanità Pubblica, tanto vituperata, sia decisamente più accogliente ed efficace.

Altro spunto critico interessante è l'approccio all'ADHD, la patologia dell'infanzia distraibile che negli USA veniva trattata aggressivamente con anfetamine e altri stimolanti fino alla parziale, prudenziale virata di due o tre anni fa. Qui da noi nessuno ne fa mai menzione...

Bravi gli attori, svelta la regia.

Wit - La forza della mente

2011-06-24T08:31:00.000-07:00

Emma Thompson è una professoressa universitaria di letteratura inglese del diciassettesimo secolo, specializzata nell'analisi di J. Donne. Un brutto giorno si accorge che qualcosa non va, si sente più stanca, avverte dei dolori inusuali. E' cancro, già in stadio avanzato, e il suo medico le propone una cura sperimentale estremamente aggressiva che è la sua unica speranza. L'entrata nel protollo scientifico però non produce i benefici sperati, e ha l'aggravante di farla sentire una cavia da laboratorio. A questo si aggiunge la profonda solitudine di una donna che ha pochi amici, tra cui nessuno così caro da trascorrere gli ultimi giorni con lei, e nessun familiare: il rapporto con i medici si rivela asettico ad essere generosi, con l'unica luce di umanità dell'infermiera che la assiste e l'aiuta a camminare verso la morte. L'angoscia esistenziale che Donne risolveva nella fede oggi, nel nostro cielo vuoto di dei, la perseguita e il dolore fisico la distrugge lentamente, mentre solola forza della mente le può venire in soccorso, facendo appello al suo bagaglio culturale e spirituale.

Film molto intenso, spaventosamente vero, giustamente premiato agli Emmy Awards.

Porta con sé una critica aspra al sistema sanitario composto da medici insensibili e freddi, del tutto incapaci di empatia: non avendo mai lavorato in America, non so nulla di come vi venga gestita una corsia oncologica, ma mi sembra poco probabile che il 100% dei dottori sia come quelli descritti dal cliché iniziato con Un medico, un uomo. Ho visto molti medici distaccati e mi è capitato di lavorare con persone forse più adatte alla ricerca di base che non all'attività clinica, ma i sanitari descritti in questo genere di produzione sono monolitici nella loro insufficienza affettiva. Possibile che siano tutti così? E' difficile da accettare forse, ma anche i medici sono esseri umani: tra loro vi sono quelli più portati all'immedesimazione e alla condivisione dei sentimenti, altri sono invece più analitici e meno interessati al lato umani dei pazienti. Non c'è la valutazione dell'empatia nel test d'ammissione, anche se magari quest'assenza è errata.

E gli infermieri, che in questo tipo di film sono sempre TUTTI straordinariamente dediti alla persona del malato, nella realtà non sono tutti così -anche se in effetti, molti ci si avvicinano-: sorprendentemente, sono esseri umani anche loro, come i medici e -concetto ancora meno accettato dalla popolazione che non vive in un ospedale- come i pazienti, e non sono tutti perfetti.

Effetto Notte

2011-06-23T10:57:00.000-07:00

Mi avvicino per la prima volta a Truffaut e vorrei farlo in punta di piedi, un po' per umiltà, un po' per il rispetto che porto a chi ha amato il cinema fino a renderlo una forma d'arte meravigliosa.

Effetto Notte descrive ciò che accade sul set di un film ed è per il metacinema quello che Sei Personaggi in cerca d'Autore è per il metateatro: una colonna portante del genere, un inizio nuovo, una pietra di paragone imprescindibile.

Da un lato la trama del film in produzione, Vi presento Pamela, che ogni attore interpreta facendola ruotare intorno al proprio personaggio, dall'altro la brulicante della massa di persone che stanno davanti e dietro la cinepresa, ovvero la Vita -interessante come nel Cinema, ma meno perfetta perché piena di tempi morti e di incongruenze- da cui il regista trae spunto incessantemente nonostante sembri sempre sul punto di esserne sopraffatto.

Regista interpretato proprio da Truffaut, costruito proprio come Truffaut avrebbe voluto che lo immaginassero gli altri: colto, aperto, disponibile, paziente, geniale, perseverante, divertente, paterno. E circondato da figure così intense e accattivanti da essere archetipiche ma non stereotipate: l'attor giovane infantile e passionale, l'attore consumato, l'attrice non più verde, alcolista ed eccessivamente sensibile, la giovane stella di raro intuito scenico e sfolgorante bellezza ma profondamente fragile e il personaggio più divertente in assoluto: l'aiuto-regista Joelle, che ha sempre una soluzione per tutto, un'idea risolutiva, cui non sfugge nulla e che -forse sola- condivide appieno l'amore sviscerato del regista per la sua creazione, tanto da dire: Io lascerei un uomo per un film, ma un film per un uomo... mai!.

Fluido e perfetto.

La classifica della vergogna

2011-06-21T11:08:00.000-07:00

Raccolgo oggi una piacevole sfida di Sailor Fede che ci invita a postare le dieci canzoni che, secondo i nostri gusti musicali professati, non ci dovrebbero piacere e invece, talora con imbarazzo, non possiamo esimerci dall'ascoltare con gaudio incontenibile ballicchiando sulla sedia. Pronti? (Continuate a leggere a vostro rischio e pericolo)

N. 10:: Maroon five, "This love". Siamo qui solo all'esordio del mio trash personale....

N. 9: Gwen Stefani, "What you're waiting for?". strepitoso anche il video con lei vestita da Alice e rincorsa dal Bianconiglio.

N. 8: Jennifer Lopez, "Que hiciste". Non solo pop, ma latin-pop! Ci mettiamo insieme anche l'intera produzione di Ricky Martin, ma "Livin' la vida loca" le batte tutte.

N. 7: T.A.T.U. "All about us". Non so neanche da che paese vengono, ma mi piacevano un mondo!

N. 6: Zero assoluto, "Per dimenticare". Soprattutto il ritornello -ti senti pronta a: cambiare vita, a cambiare casa, a fare la spesa e fare i conti a fine mese, a: la casa al mare, ah, l'avere un figlio e un cane (nell'ordine...).

N. 5: Shakira, "Wherever, whenever" e "Hips don't lie", corredati da video originali in cui si dimostra come l'articolazione tra bacino e colonna sacrale sia un concetto più elastico di quello che siamo abituati a supporre. Bei tempi, in cui Shakira faceva la ballerina e non la lupa.

N. 4: un altro italiano, e quello che normalmente sopporto di meno: Gigi D'Alessio, "Non mollare mai". Un inno all'ottimismo semipatologico è FONDAMENTALE nella hitlist di tutti.

N. 3: Geri Halliwell, "Scream if you wanna go faster" e "It's raining, men!". Anche le Spice non erano male, ma Geri era la migliore di tutte.

N. 2: direttamente da Amici di non so più che anno, Silvia Olari: "Rivoluzione" e "Wise girl". Continuo a pensare che lei sia stata il talento più stupidamente bruciato degli ultimi anni.

N. 1: in cima alla classifica, l'inconfessabile. Pronti per ...l'orrore, l'orrore?? Rullo di tamburi...eeeehhh: Britney Spears! Con i suoi più vecchi successi, "Oops I did it again" e -soprattutto- "Baby, one more time". Terribile vero? Miracoli del trash-pop!

The burning plain - I confini della solitudine

2011-06-15T11:49:00.001-07:00

Riassumere la trama di questo film non è semplice senza svelare il finale, come accadeva per le altre opere sceneggiate da Arriaga.

Due donne sono protagoniste di due storie apparentemente separate: una casalinga disperata degli anni Ottanta, alle prese con un marito che non riesce più a toccarla dopo la mastectomia radicale e un amante che sembra amarla per com'è, e una giovane intraprendente padrona di un ristorante di lusso con troppi amanti e nessun vero amore. Come si collegheranno?

Arriaga, prima di diventare regista, sceneggiava i film di Inarritu (21 grammi, Babel) e le trame a mosaico sono la sua specialità: questa è particolarmente godibile perché non troppo aggrovigliata, il che permette di seguire con più facilità il filo del discorso e di apprezzare la maggiore intensità delle emozioni delle protagoniste. Bravissime, del resto: C. Theron e K. Basinger sono due attrici meravigliose, e due donne bellissime (anche se il botulino ha devastato il viso della più anziana); notevolissima anche la splendida new entry, J. Lawrence, che non scompare al confronto con i due mostri sacri.

Giustamente premiato a Venezia, un film commovente, formalmente curatissimo, che ha il coraggio in questi anni Duemila di chiudersi con una nota di speranza.

La strana coppia

2011-06-14T10:08:00.000-07:00

Tutto cominciò con un tentativo di suicidio frustrato da una finestra poco collaborativa. Felix è stato appena cacciato dalla moglie dopo dodici anni di matrimonio e approda all'appartamento di Oscar, neodivorziato giocatore e scialaquatore, che lo accoglie un po' per pietà e un po' per non continuare a vivere da solo. La strana coppia inizia così un mènage semimatrimoniale, tra le insofferenze di Oscar e i tic di Felix, pulitino, ossessivo, cuoco perfetto, fino a che Oscar non tenta di sfruttare l'amico per fare colpo su due ragazze, Cecilia e Guendolina -come le due oche de L'importanza di esser Franco, di Wilde.

Famosissima commedia, con qualche tono sofisticato ma non troppo, deve la sua fortuna duratura ad uno script divertente e a una coppia meravigliosa di attori, Jack Lemmon -agitatore di ramaioli con una spiccata propensione al piagnisteo- e Walter Matthau, rozzo maschilista dall'apetto trasandato e il fare intollerante -solo di facciata. Adorabile.

Tron Legacy

2011-06-12T13:26:00.000-07:00

Sam Flinn ha un papà brillante informatico, convinto che l’essenza dell’informazione sia nell’essere condivisa, che una notte non rientra più a casa… vent’anni dopo il suo collega e amico Alan riceve una sua chiamata sul cercapersone e Sam comincia un piccolo ma intenso viaggio verso l’incredibile. Trovata una vecchia consolle ancora attiva, viene risucchiato in un mondo totalmente digitale, originato dal progetto di suo padre, per scoprire che il canuto genitore vi è rimasto involontariamente rinchiuso dopo aver consegnato le chiavi del regno al suo doppio, CLU, dittatore con deliri di perfezione. Da questa struttura artificiale nuove essenze vitali avevano cominciato ad auto organizzarsi e ad evolvere spontaneamente: le ISO, forme matematiche a DNA, buone e sagge, invise a CLU perché “naturali” e dunque fonte di caos. Ma il caos è una buona cosa, dice Flinn padre, e mi trova d’accordo. Ce la faranno padre e figlio a fuggire in compagnia dell’ultima, splendida ISO, e rivedere l’alba?
Purtroppo non ho visto il primo Tron, che ha tanti fan quanti detrattori, ma la sceneggiatura di questo sequel è scritta abbastanza bene da non renderlo strettamente necessario per comprendere la trama, solida sebbene convoluta. Questo nuovo è un buon film d’azione che non delude nella storia e si attira le lodi per l’estrema compattezza e l’eleganza formale, tutta linee e sfere, linee pulite, nuances fredde, textures acriliche. Costumi e trucco molto chic, genere Vogue meets Nerd. L’altra punta di diamante è la colonna sonora: sembra di non sentirla. Perdonate l’ossimoro, e osservate il complimento: le musiche sono talmente calzanti da non sembrare una forma artificiale incollata ad una sequenza di scene, ma totalmente parte dell’azione; peccato i Daft Punk non siano stati neppure citati agli Oscar.
Ciò che manca qui è un po’ più di empatia, di commozione, di tensione emotiva. Con questo Creatore pieno di spirito Zen che sembra ObiUanKenobi, suo figlio (figura di Gesù Cristo, ho letto da qualche parte, ma se c’è un film assolutamente a-cristiano mi sembra questo, siamo lontani da Matrix molto più di quel che appare) pasticcione e la ISO “graziata”, la lacrimuccia non spunta sulla rima palpebrale. C’è giusto qualche accenno al conflitto luce-ombra che avviene nell’animo di ciascuno di noi e fine del profondo messaggio filosofico. L’aspetto davvero interessante della vicenda, la generazione spontanea di entità superiormente buone e intelligenti, date le condizioni per il loro svilupparsi, idea francamente atea ma decisamente innovativa rispetto ad altri prodotti analoghi, è un po’ lasciata in disparte. Peccato, perché da molto tempo ormai la sci-fi è il piano su cui sembra essersi spostato il dibattito neoreligioso attuale.
Bene Jeff Bridges e Olivia Wilde, avrei preferito Shia LaBeouf al posto dello slavato protagonista.

Juliet, Naked - Tutta un'altra musica

2011-06-11T13:37:00.000-07:00

Annie ha passato gli ultimi quindici anni della sua vita con Duncan, l'essere più noioso, pedante e insulso della terra, dedito ad analizzare i più piccoli dettagli della vita di un musicista-meteora, Tucker Crowe. Il cantautore americano, dopo un album riuscito, Juliet, si era sottratto al mondo mediatico e musicale ritirandosi a vita privata senza ulteriori spiegazioni e pochi fan di tutto il mondo, capeggiati da Duncan, sono da vent'anni alle prese con l'esegesi dei suoi più piccoli movimenti. Quando sta per essere pubblicato Juliet, Naked, la versione acustica e disadorna di Juliet, Duncan e Annie manifestano opinioni opposte e il loro fragile rapporto non sembra in grado di sostenere lo scossone. Al fianco di Annie si schiera nientemeno che Tucker Crowe, deciso forse ad uscire dall'oblio...

Dopo aver letto Alta Fedeltà e Non buttiamoci giù, N. Hornby mi aveva lasciato la sensazione di essere un po' sopravvalutato e ho pensato di fare la prova del nove: la lettura in lingua originale. Devo dire che sono stata ripagata dello sforzo, perché Juliet, Naked è un romanzo godibilissimo con dei personaggi divertenti e teneri, anomali nella loro mezza età (la fascia tra i Quaranta e i Cinquantacinque non è spesso protagonista di commedie romantiche, salvo quelle che volutamente insistono sull'età dei comprimari) e nel senso di fallimento almeno parziale che li accompagna. Solo il finale è un po' troppo aperto, ma posso sempre sperare che sia andato nella direzione che desideravo io.

Ah, per chi come me ha cercato testi e video su youtube, rassegnatevi: Tucker Crowe non è mai esistito nella vita reale, e purtroppo non potremo mai ascoltare You and your perfect life. Peccato.

Lisbona - post scriptum

2011-06-11T01:34:00.000-07:00

Quante cose avrei ancora voluto scrivere sul mio soggiorno a Lisboa, ma frenata dalle corse folli del congresso e poi dal riposo obbligato di un piccolo incidente di percorso, tutto mi sembra ora non abbastanza fresco per rilucere nella parola scritta come io lo ricordo nella mente e nel cuore.

Però vorrei lasciare per mia futura memoria e per l'eventuale utilizzo degli interessati un paio di indirizzi utili:

-A Baiuca, nell'Alfama (rua S. Miguel, 20), come già detto nel post Lisbona - parte seconda, per andare a sentire il Fado.

-la pasticceria Pasteis de Belèm, (rua de Belem, 84) ad un passo dal Mosteiro dos Jeronimos, per i pastel più buoni del mondo e tutta una gamma di pasticceria da sciogliere il cuore. Occhio alla glicemia...

-il ristorante O Prado, (rua da Junqueira 474, a Belèm), accanto al museo delle carrozze. Ottimi squaletti (pescadinhas) fritti e pica-pau (maiale saltato con olive e spezie), servizio sorridente a qualsiasi ora, aperitivi a base di lumache freschissime.

-il ristorante Pessoa, dietro piazza del Rossio: pesce alla griglia semplice e buonissimo.

-il ristorante Dom Pedro I, béco dos Invalidos 32, Cascais: cucina raffinata senza essere pretenziosa, dietro il meraviglioso municipio di Cascais, a scelta dentro una saletta stipata di azulejos o sotto i ciliegi del terrazzino. Tra i ricordi più belli della mia vita...

Per dormire:

-Residencial Vila Nova, www.residencialvilanova.com : dodici stanze con bagno privato, pulitissime, al terzo piano di una casa d'epoca, con assistenza 24/7 gentile e english-speaking e free-wi-fi dalla camera. Posizione comodissima in Marquès de Pombal.

-Assolutamente da evitare il quattro stelle dove mi hanno spedita gli organizzatori del congresso, il VIP Art's Executive, sporco, caro e con wi-fi a pagamento solo nella rumorosa hall o nel bar lounge.

Thor

2011-06-10T03:02:00.000-07:00

Eccomi di ritorno dopo ferie, congresso e malattia... fresca fresca di filmone holliwoodiano.

La storia è nota e si riassume brevemente: Thor è un dio biondo e arrogante che ha per arma un martello, ma soprattutto è l'erede al trono di Odino, il padre degli dei. Dovrà governare Asgard e proteggere gli altri otto mondi dell'Universo, spesso rivoltosi e problematici. Il giorno della sua incoronazione, il fratello invidioso permette un'intrusione dei cattivi Giganti del ghiaccio nel santuario della reggia e Thor, da testa calda par sua, parte con quattro amici per far baccano. Per fortuna lo salva papino, cui tocca ricucire la tregua infranta e insegnare il buon senso al figliolo, spedendolo in Purgatorio, cioè qui da noi, dove incontra la bella astronoma N. Portman. Ed è subito amore. I due non si dicono praticamente nulla, ma nel tempo che lei impiega a investirlo col furgone scocca la scintilla di Eros. Nel frattempo scopriamo i veri natali del fratellastro di Thor, qualche prevedibile intrigo di palazzo, la curiosa natura del coma riparante autoindotto di Odino e la necessità di un ponte fisico tra i mondi per poterli raggiungere.

Il risultato è deludente. Mi dispiace, io ho un debole per i film coi supereroi e adoro Kenneth Branagh e mi piace la Portman e il fisico di questo sconosciuto biondo ultrapalestrato non è male per nulla, ma era tempo che non vedevo un prodotto così piatto. Mi avevano promesso umorismo, tono shakesperiano, romanticismo: dove li avete visti?? La trama presenta importanti discontinuità, tende alla ripetizione e talvolta sembra copiata da La spada nella roccia. Il rapporto fra i due innamorati non è approfondito minimamente. L'unico aspetto più curato è il rapporto del figliastro Loki con Odino e, di riflesso, col fratellastro, ma paragoni con l'Amleto sono fuori posto, oserei dire. I costumi sono poco credibili, plasticosi... mi hanno ricordato 300. Noioso e non all'altezza degli altri Marvel.

Lisbona - parte seconda

2011-05-30T09:06:00.000-07:00

Dopo una settimana di ferie, pure e bellissime ferie, oggi il grande momento del primo speech in inglese è arrivato. Non pensavo che mi sarei sentita a disagio nel parlare in lingua straniera in un microfono, ma non posso negare di aver esperito una tensione che non mi è abituale... comunque nessun fischio e nessuna evidenza di russamento, stanotte posso dormire tranquilla.

Ancora non riesco a capacitarmi invece delle meraviglie che ho scoperto negli angoli più impensati di questa città, la vera perla di un impero perduto, malinconico e pieno di dignità, che non si strappa i capelli né si batte il petto, ma piange silenziosa il suo passato glorioso. Ecco in due parole cos'è la saudade, e per capirlo bisogna andare a sentire il fado, cioe il fato, il canto popolare di qui. Noi abbiamo avuto l'incredibile fortuna di sperimentarlo in una bettola dell'Alfama che non pensavo di vedere mai nell'attuale omologazione turistica: A Baiuca (la buca, suppongo) è un'osteria con circa venti posti, distribuiti in quattro tavolacci. Ci si siede dove c'è un posto vuoto, non importa vicino a chi, e si beve vino rosso in brocca dentro bicchieri di vetro cosi spesso da non rompersi cadendo in terra. Mentre mangiamo ottimi piatti a base di pesce, cipolla e uova, la cantante passeggia per i tre metri a sua disposizione, parla con noi mentre canta -come se la capissimo, e per alcuni, autoctoni, ècosì-, chiacchiera con il chitarrista e il mandolinista, viene interrotta da improvvisati duetti con i passanti che infilano la testa dentro il ristorante attratti da una melodia che riconoscono. Se sono bravi e costruiscono un bel numero, il padrone offre loro un caffé, o una Ginjia, il liquore di ciliegia che spopola nei peggiori bar di Lisboa (non è vero, spopola in tutto il Portogallo, ma era divertente citare!). Génial!

Lisbona - parte prima

2011-05-23T11:18:00.000-07:00

Ero già stata in questa città circa dieci anni or sono, e non la ricordavo così attraente. C'è un profumo di vita nell'aria, di spezie, di fiori in boccio, di pesce alla griglia, che sorprende: nella metropolitana di Torino non si sente alcun odore, tutto è filtrato e sterilizzato, a Parigi e a Londra le tubes odorano di smog e di ascelle sudate, piedi non lavati e fiato d'ubriachi, a Roma l'aria del metrò è un'istigazione darwiniana a sopravvivere in assenza di ossigeno. Che ci crediate o no, a Marques de Pombal la metropolitana sa di baccalà fritto.

Il primo giorno di vacanza è stato meravigliosamente disorganizzato. Recatici a Belèm, abbiamo trovato chiusi sia la torre che il Mosteiro de los Jeronimos, ma ci siamo rifiugiati un una pastreleria superba e antichissima dove, circondati di azuleios, abbiamo fatto incetta di pasteis alla cannella. Nel pomeriggio siamo saliti sul tram giusto nella direzione sbagliata e invece di visitare il castello di San Giorgio abbiamo scoperto la Lisbona borghese di Estrela, con la sua basilica e il Parlamento, di cui la guida non fa neppure menzione.

Ma adesso è ora di prepararsi per la sera... sono stufa di sentire profumo di pesce, ora voglio assaggiarne il sapore.

Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni

2011-05-18T10:42:00.000-07:00

Helena (G.Jones) è una donna di mezza età appena abbandonata dal marito, Alfie, un sessantenne arzillo con pretese sportive e desideri sensuali ancora vispi (A. Hopkins). Mentre lei si rifugia nell'occultismo, lui si risposa precipitosamente con una prostituta decisamente vistosa, per l'imbarazzo di sua figlia (N. Watts). Sally, la figlia in oggetto, dal canto suo si barcamena tra un marito inconcludente e fedifrago e un superiore molto affascinante (A. Banderas) che le apre le porte del mercato d'arte.

Insomma, una commedia di Woody Allen dove tutti sono apparentemente infelici e alla ricerca di qualcosa, che poi è solo amore. Eh, sì, il maestro della commedia sofistico-psicanalitica sembra dirci che con tutti i nostri pasticci, le scelte azzardate, le insoddisfazioni latenti e le piccole e grandi slealtà manifestiamo il nostro bisogno d'amore, e viene ricompensato chi l'ha mostrato in modo più ingenuo e spontaneo e senza turlupinare il prossimo.

Niente di nuovo sotto il sole, salvo una diminuzione di quell'ottimismo inaspettato che concludeva film geniali come Manhattan; lo stile è un po' discontinuo e siamo lontani dal capolavoro, ma Hopkins è decisamente azzeccato e non mancano gli episodi divertenti. Meglio del precedente.

I ragazzi stanno bene

2011-05-16T12:34:00.000-07:00

Jules e Nic sono due signore di mezza età che si amano e vivono insieme ormai da molti anni con i loro due figli, Joni e Laser, concepiti grazie all'inseminazione artificiale. Una (A. Bening) è un medico irascibile e sfumatamente controllante, l'altra (J. Moore) un'arredatrice di esterni con una certa propensione alla New Age e ai fallimenti.

Raggiunta la maggiore età Joni può finalmente esaudire il desiderio di Laser, il fratellino, e conoscere con lui il padre biologico, Paul (M. Ruffalo), un ristoratore alternativo e stranamente desideroso di essere accolto nel ménage familiare della sua prole. Vi si inserisce con la poca grazia di un elefante in cristalleria, offrendo ai ragazzi un modello di genitore nuovo, sì, ma anche non richiesto e forse inopportuno, data la presentazione quantomai tarda, e a Jules un'alternativa pericolosa ad un rapporto di coppia che inizia a subire le crepe del tempo.

Di questo film mi è piaciuta l'idea di base, ma mi ha deluso l'effettivo risultato: Paul è un immaturo che vorrebbe una famiglia pronta e comoda, Julianne Moore mi ha lasciata perplessa (e un po' disgustata) nelle scene intime, molto più in quelle etero che nelle omosessuali, ho trovato discutibili alcuni inserti di vita matrimoniale della coppia lesbica. Mah...

Emma in bianco

2011-05-07T05:44:00.000-07:00

Dal momento che Jane Austen è fonte di ispirazione sempiterna per tante di noi, proseguo la mia più che esigua collezione di abiti da sposa con un esemplare stile Impero che immagino indosso a Emma, la protagonista dell'omonimo libro. Semplice, elegante, in taffetà di seta panna e fiori di pizzo bianco e dorato, come le catenelle che pendono dal punto vita, di agata e oro. Al collo, un ciondolo in oro e perla a forma di ape. Più Napoleonico di così si muore, e poi è il simbolo dell'amore domestico!

Into the wild

2011-05-04T23:53:00.000-07:00

Christopher McCandless si è laureato con ottimi voti, ha qualche risparmio da parte, Harvard gli ha proposto un PhD prestigioso che i suoi sarebbero felici di finanziare. Anche perché niente sembra interessare i due orgogliosi genitori come una carriera ambiziosa e remunerativa, almeno secondo l’impressione che Chris ha ricevuto negli ultimi anni, in cui ha appreso a disprezzarli per le loro infedeltà e per la mancanza di rispetto e di amore che informa il loro rapporto.
Si decide dunque ad un gesto radicale e fugge, privo di documenti e di denaro, in un lunghissimo viaggio attraverso gli Stati Uniti, a contatto con la natura anche nella sua forma più aspra. Incontra molte persone con cui stringe dei legami profondi, ma nessuno sembra abbastanza forte da trattenerlo con sé; il suo rifiuto della società occidentale lo spinge a sottrarsi all’amore delle sue molteplici, nuove famiglie, oltre a rifiutare quella vecchia.
Il percorso di liberazione assume forme sempre più estremiste e lo conduce in Alaska, dove l’isolamento è totale e pericoloso, la morte dietro l’angolo. Qui raggiunge la saggezza, che come per quasi tutti noi, giunge di solito poco prima della morte. La felicità è tale solo se condivisa, ma chi perde il senso della misura coglie questa verità solo quando ha pervicacemente lavorato per negarsela. Vero è che la saggezza porta con sé anche la rassegnazione…
Quarto film di Sean Penn da regista, con scenari favolosi e commoventi e una fotografia e un montaggio di tutto rispetto. Molto curata la colonna sonora, premiata ai Golden Globes nella sezione Miglior Canzone Originale. I due Academy Awards sono stati aggiudicati invece per il Miglior Montaggio e Miglior Attore non protagonista.

Emil Hirsch è un giovane attore di estrema bravura, perfetto per esprimere la profonda disperazione di un ragazzo fragile e buono, che ha dimostrato grande coraggio nell'affrontare le asperità psicologiche e fisiche della parte. Molto bene.